Tarantino no es una marca de moda

Avatar

2010-02-28T16:41:00.007+01:00

Bienvenidos a Pandora. La película gira en torno a esta luna del planeta Polifemo mitad selva amazónica, mitad paraíso espiritual donde los humanos llegan en el futuro. Las relaciones con la población indígena humanoide na´vi se ven condicionadas por el deseo de adquirir un material que aporta energía llamado unobtanium- de inobtenible- y por tanto van desde la "amistosa" investigación científica a la beligerante coacción a que se retiren de su tierra natal. Para llevar a cabo las investigaciones, los seres humanos se introducen en unas réplicas de los alienígenas y con el tiempo, el vínculo que se establece con el avatar supera la unión electrónica, muy parecida a la de un simulador.

UN MUNDO MARAVILLOSO MUY PARECIDO AL REAL
La cercanía que siente el público hacia Pandora tiene tan buen efecto a causa de que es, ni más ni menos, que la proyección del ideal natural que se adquiere desde la perspectiva concienciada de un ecologista o un estudioso y amante del medio ambiente en la Tierra. La integración del humanoide con la naturaleza recuerda a que llevan a cabo los aborígenes del Amazonas y de otras tantas partes del globo. Cuando se habla de una especie de madre que todo lo une, a uno le viene a la cabeza la madre naturaleza de los indios americanos. El hombre cuando llega a Pandora no ve útil esa conexión porque la ha perdido, pero en su fuero interno, su ser sigue fiel al legado que ha dejado impreso nuestro ecosistema en nuestra memoria. Jake Sully llega a sentirlo, así como los otros científicos. La ceguera se produce por la necesidad de un mineral corriente y moliente que permitiría perpetuar, o alargar un poco más, nuestra forma de vida; o la ceguera de un veterano militar que no se va a dejar derrotar.

UNA GUERRA DE IRAQ A LA VISTA
No podría ser más clara la referencia a tantos y tantos conflictos que han sembrado la historia. El fin justifica los medios tanto en la realidad como en el cine, por lo que Cameron se sirve de una temática excesivamente privisible y manida basada en la maldad de los malos y la gran bondad que alcanzan los seres que se paran a pensar durante un segundo en lo que están haciendo. El contenido revolucionario se basa en la premisa de que lo justo se termina imponiendo a toda lógica; un argumento que no habla a favor del mantenimiento de muchas situaciones políticas y sociales, pero a las que tampoco pone ninguna solución más allá del mantenimiento de los lazos que parece que unen a todos los seres vivos de Pandora.

UNA HISTORIA DE AVENTURAS EN 3-D
Cuando uno sale de ver Avatar, uno se da cuenta de que algo ha cambiado. Eso es cierto. Se ha alcanzado desde Hollywood una respuesta a la crisis del cine a través de un paso más en la innovación técnica: el 3-D. Salí del cine con la impresión de que la película me había gustado, puesto que distraía con el suspense y narcotizaba con la riqueza del habitat en el discurría: el tiempo se pasa muy rápido viendo una película de aventuras llevada a cabo tan metódicamente- es decir, sin fallos en el guión, la interpretación o el montaje-, pero lo que había ido todo el mundo a ver eran las tres dimensiones.

Cameron se ha erigido una vez más como el dueño y señor de las claves del espectáculo fácil a la par que elegante con el 3-D de Avatar, sin lugar a dudas, pero ¿por qué va a ser un referente para el futuro filmográfico? Porque es la película que más dinero ha recaudado en toda la historia del cine, claro está. Sin embargo, me atrevería a decir que ni creo, ni espero que vaya a ser una apuesta a largo plazo- al menos de forma generalizada-. Está claro que la gente, donde me incluyo, prefiere que le den algo especial a cambio de ir al cine- y de pagar lo mucho que vale-, pero el 3-D es tan sólo una novedad más que impacta precisamente por lo que tiene de relativamente inédito y novedoso. Tengo confianza en esta idea puesto que soy de los que, como Javier Ocaña, opina que si éstos son los derroteros que va a seguir el cine a partir de ahora, que pare el tren, que yo me bajo. El espectáculo está bien, pero dosificado en sus dosis saludables.

FICHA TÉCNICA:
TÍTULO: Avatar
DIRECTOR: James Cameron
GUIÓN: James Cameron, Jon Landau, Rae Sanchini
REPARTO: Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang y Michelle Rodríguez
MÚSICA: James Horner
PAÍS DE PROCEDENCIA: EEUU
DURACIÓN: 162 min.

MTV Winter. Valencia

2010-02-15T00:47:00.004+01:00

Grupos (por orden de aparición): Fuzzy White Casters, Lightspeed Champion, Mystery Jets y Arctic Monkeys.

Lugar: Ciudad de las Artes y las Ciencias. Valencia.

Público: Según el comerciodigital.com y Qué: 35000 personas.

Fecha: 14-02-2010

Hora de inicio-final: 20:00 hrs. – 0:15 hrs.

Después de una presentación calurosa, aunque excesivamente dirigida al público quinceañero al que el reclamo de los conciertos gratuitos interesa más que la propia música, salió al escenario el grupo valenciano Fuzzy White Casters.

Fuzzy White Casters (información de los miembros del grupo obtenida de Myspace):

Victor – Voz principal, guitarra, sintetizados y teclados.
Santi – Guitarra y voz secundaria.
Johnny – Batería, voz secundaria y samplers.
Demi – Bajo y ruido en general.

El grupo entró en escena con la energía que la noche necesitaba y a pesar de la brevedad de su aportación ya que sólo interpretaron cinco temas, subieron la temperatura del festival haciendo que todo el mundo saltara y bailara al ritmo de los sintetizadores y las guitarras.

Cuando conocí sobre el escenario a Fuzzy White Casters me quedé sorprendido con su frescura y su carisma sobr

e el escenario, especialmente del cantante principal y el batería, que se movían y tocaban con la habilidad del que tiene tablas sobre el escenario, además de mucho que decir.

Hacían una mezcla muy interesante entre sonido disco de sintetizador, unido a los ritmos de batería y una voz potente. A pesar de ello se echaba en falta un toque personal del grupo, de que no se parecieran sus interludios bien a Muse, sus ritmos a Franz Ferdinand o sus estridencias a Bloc Party. Las influencias ningún grupo las puede tapar, ni las debe tapar, pero confío en que la próxima vez que los vea me sorprenderán de nuevo con un toque personal que los haga expresamente diferentes.

Lightspeed Champion (información de los miembros del grupo obtenida de www.lightspeedchampion.com):

Devonté Hynes – Voz principal.

Recogieron los de Val

encia sus petates y respectivas guitarras para que de nuevo el presentador, amigo de los niños, introdujera a Lightspeed Champion.

Este grupo empezó con canciones muy rítmicas y sugerentes, aunque el cantante y el resto del grupo parecían más interesados en llamar la atención por sus gafas antiguas y su gorra de los yanquis que en animar al público. De hecho así lo hicieron.

Después de la fuerza que había transmitido el primer grupo, Lightspeed Champion supuso una clara bajada de nivel de intensidad y por lo tanto de interés del público. Este grupo que tenía una seña propia claramente identificable, rollo happy, voz poderosa y desgarrada con una personalidad fuerte, bombo de batería a nivel de volumen diez y música de ritmos sugerentes; se encontró con un público con tantas ganas de música que parecía que los devoraba; así que decidieron amansarlo con sus temas suaves y parados.

Fue, probablemente el grupo menos adecuado para el percal que tenían en frente: jóvenes y muy jóvenes ansiosos de ritmos pegadizos y algo de caña. Sin duda este conjunto habría llamado más la atención ante público más amante de la música y menos de la fiesta, aunque la verdad que tampoco parecía que a ellos les importase.

La congregación sólo se venía arriba cuando oían nombrar a sus ídolos: Los Arctic Monkeys. Fue justo al final cuando Lightspee

d Champion, entonando (para dar entrada a una canción suya) el increíble clásico compuesto por los Ramones: Hey Ho Let’s Go, entendieron cómo debían tratar a la gente y qué es lo que debían ofrecerles si querían tenerlos en el bolsillo. Pero ya era tarde, ésa fue su última canción.

Mystery Jets (información de los miembros del grupo obtenida de Myspace):

Kapil Trivedi – Batería.

William Rees – Voz secundaria, guitarra principal y percusión secundaria.
Kai Fish – Voz secundaria, bajo y guitarra.
Blaine Harrison – Voz principal, percusión secundaria, teclados y efectos en general.
Henry Harrison

– Voz secundaria, guitarra, percusión secundaria y teclados.

Después de casi media hora de montaje que suscitó los silbidos del público, entraron en la escena los Mystery Jets. A mí, personalmente no me sonaba el nombre ni había escuchado al grupo, tampoco los que estaban situados a mi alrededor, lo que, después de la interpretación ofrecida por el segundo grupo sembró la semilla del escepticismo en si realmente iban a hacernos bailar. Bastaron las dos primeras canciones para que se oyesen rumores de: “cómo no los había escuchado en algún sitio antes”, “¡cómo molan!” etc.

El inicio de su espectáculo fue inmejorable, canciones movidas con punteos de guitarra muy pegadizos y sencillos que iban directos a las gargantas de la mayoría de asistentes al festival. Su estilo extravagante y psicodélico era acorde completamente a su música. El cantante hizo su aparición con muletas y se sentó en la banqueta que tenía preparada, lo que aportaba un toque aún más extraño a su americana azul marino y su melena ochentera. Su música era pop psicodélico puro y duro, al estilo unas veces de The Kooks y otras de MGMT con una voz que recordaba a Coldplay. Puede ser que la originalidad no fuera su meta en la vida, pero tenían bastante que decir ayer por la noche.

Siguió el concierto, y la gente se había animado, pero el grupo cometió el grave error de bajar mucho el fuelle, haciendo baladas, que además eran desconocidas porque como bien informaron al presentarlas, eran nuevas. Esto hizo que el

frío de la noche se introdujera y mezclase entre la gente. Pagaron los Mystery Jets su encuentro con un público exigente que en las últimas canciones sólo pensaba en los Monkeys y, aunque de manera minoritaria, decía adiós con la mano al grupo, mostrando su desinterés por los temas que presentaban. A pesar de todo ello abandonaron el escenario interpretando una canción que dejó un buen sabor de boca.

Arctic Monkeys:

Alex Turner – Voz Principal, guitarra.

Jamie Cook – Guitarra principal, voz secundaria.

Mathew Helders – Batería, voz secundaria.

Nick O’Malle

y – Bajo, voz secundaria.

El montaje del equipo duró aún más que el de los Mystery Jets pero a pesar de ello la gente parecía más dispuesta a esperar por sus ídolos que por cualquier otro mortal. Entre unas luces azules y una gran cantidad de humo aparecieron de uniforme los Arctic Monkeys, todos salvo Matt que iba a su bola, iban con gabardina negra y pantalones ajustados. Muy a su nuevo estilo.

Abrían la boca los asistentes para recibir la original distorsión del la guitarra que recuerda a un latigazo de Dance Little Liar, tema del último disco. Colosal. Sólo podían hacerlo ellos, empezar con una de las canciones menos conocidas del último disco y dejar al público fascinado para después enlazar sus canciones más cañeras haciendo bailar hasta a los puentes de la Ciudad de las Artes y las Ciencias.

La gran personalidad de los Arctic Monkeys en el escenario tenía al público constantemente emocionado, daba igual que tocaran cuatro canciones suaves seguidas, todo lo que había alrededor de los Arctic era asombro. Y ellos lo sabían, mantenían una posición chulesca como la del mago que hipnotiza, y el público se habría dejado hipnotizar toda la noche.

El espectáculo dirigido constantemente por un gurú llamado Alex Turner demostró que el cambio de imagen y estilo de los Arctic Monkeys es toda una completa muestra del camino que han elegido. La psicodelia de los primeros Pink Floyd, los de Cyd Barret, los han influido de una manera inequívoca.

Se presentaron los Arctic más oscuros que nunca, con una madurez que marca el estilo propio, el blues de la década de los dieces, la psicodelia de la nueva era ha tenido su primer manifiesto en Humbug. Qué más dan las canciones que tocaron, lo más grande de la noche fueron los intérpretes.

Baby 81

2010-02-01T23:37:00.003+01:00

Grupo: Black Rebel Motorcycle Club.

Intérpretes: Peter Hayes, Robert Been y Nick Jago.

Estilo: Indie rock.

Sale al Mercado: Uno de Mayo del 2007 en Estados Unidos, treinta de Abril del 2007 en Europa y veintisiete del mismo mes y año en Alemania.

Producción: Black Rebel Motorcycle Club.

Este es un disco magistral y la definición propia del indie rock: Motivos rítmicos sencillos y cortos que se combinan, y riffs de una guitarra de distorsión pesada que predominan.

Todos aquellos que se vanaglorien de escuchar rock and roll no podrán negar el sentimiento que les transmite la voz de cada una de las canciones, aunque no tenga altivajos, aunque la letra sea recitada... Y es que la mezcla de los ritmos de guitarra y batería danzan alrededor de las historias sobre sentimientos y soledad que se turnan a cantar Peter y Robert, danzan con ese ritmo de balanceo del que está ebrio, no necesitas quererlo, nada más empezar el disco el pie ya está marcando el ritmo, a los diez segundos de comenzar las canciones, la mente ya danza desde la guitarra hasta la caja y el bombo.

El comienzo del disco con Took Out a Loan con la guitarra haciendo el riff de la canción con una distorsión perfecta, parece que el grupo nos está tendiendo la mano para entrar por la puerta grande al concierto. En cuanto accedemos encontramos la voz entrando en anacrusa dos compases más adelante, como impaciente, pero en el lugar adecuado.

Aunque para ser fieles a la verdad, el oyente exigente sólo va a necesitar que acabe la primera canción para notar que empieza el rock, porque es Berlin con su comienzo guitarra-bombo y su “help me somebody” y su “what hapen to the revolution” cuando notamos por vez primera la rabia en la sangre de los intérpretes.

Una característica a destacar del disco es la gran variedad de atmósferas que se crea en cada canción. Por ejemplo, te rodea de algo de esperanza y alegría en Not What You Wanted para arrebatártela a la siguiente canción, con 666 Conducer que da la impresión de llevarte a una atmósfera en la que le viento sopla despacio hacia la cara, mientras todo pasa muy despacio. Te transporta por canciones de ritmos duros, y frases pegadizas como las de Weapon of Choice, American X (probablemente el tema más trabajado o inspirado del disco), Windows… Realmente estas características son comunes durante los temas del disco. Ese aspecto de balada que no es balada, de música que es Música.

Lista de canciones:

1- Took Out a Loan

2- Berlin

3- Weapon of Choice

4- Windows

5- Cold Wind

6- Not What You Wanted

7- 666 Conducer

8- All You Do Is Talk

9- Lien on Your Dreams

10- Need Some Air

11- Killing the Light

12- American X

13- Am I Only

Olvídate de mí

2010-01-16T17:40:00.007+01:00

AVISO PARA NAVEGANTES: Absténganse aquellos que no hayan visto la película.

Es una historia de amor. No hay otra forma de definirla. Olvídate de mí te introduce de lleno en la soledad de aquel que lo ha perdido todo sin darse cuenta. Es la confusión de Joel Barish- excelentemente interpretado por un brillante Jim Carrey- la que llega a nosotros a través de su hipnótica y cansada voz de taciturno solitario. Vaga por el mundo como si se tratara de un inadaptado social o un loco que ha nacido del aburrimiento cotidiano. No lo es.

Clementine es la otra parte del todo de la película- o su cara real de la espléndida Kate Winslet-. Se trata de una especie de segundo plano que empuja al film y a la vida de Joel hacia sí. ¿Por qué? Esta mujer es la causa, proceso y consecuencia de la película. Tras un inicial y confuso contacto, queda claro que, tras una larga relación, Clem ha borrado de su memoria a Joel como si de un juego se tratara. Joel, a su vez, quiere borrarla para apartar de sí todo el dolor que supone para él el hecho de que lo hayan querido olvidarlo para siempre.
"En realidad, el proceso consiste en una lesión cerebral. El equivalente a una noche de borrachera".
¿Qué harías si la mujer de tu vida quisiera olvidarse de ti? Supongo que por esa razón Eternal Sunshine tiene el título que tiene en la versión española. Uno tiene que desprenderse de todos los recuerdos, de todas las cosas que le unían a esa persona. El proceso consiste realmente en meterse en tu cabeza y darle una patada a todo aquello que te hacía junto a esa otra persona. Pero, ¿cómo ha llegado hasta allí Joel? Mientras va recorriendo su memoria intenta parar el proceso desde el momento mismo en que se da cuenta de que en realidad la ama. Puede cambiarlo. Puede volver a enamorarla. Como tantas otras decisiones que hacemos sin pensar, la decisión no tiene vuelta de hoja.

Olvídate de mí es una historia de amor, como decía. La conclusión es que nada, ni la memoria, ni siquiera uno mismo, puede ganar contra la voluntad del amor. En esta especie de versión romántica moderna del mito del eterno retorno, las pasiones vuelven a encontrarse y la vida da vueltas en una misma dirección (Eternal Sunshine- justificado Oscar al mejor guión original de Charlie Kaufman, guionista de Cómo ser John Malkovich). No es pasional, no es bello el modelo que se presenta; pero sí es auténtico e inmortal. Por eso cuando Mary besa a su adorado Dr. Mierzwiak no es la primera vez. Por eso cuando Clem le dice a Joel: Pero me volverás a odiar y yo me volveré a cansar de ti, él tiene que contestar: Vale. Ese vale es el mayor te quiero de todos los que hayan existido.

FICHA TÉCNICA:
TÍTULO: Olvídate de mí (Eternal Sunshine)
DIRECTOR: Michel Gondry
GUIÓN: Charlie Kaufman
REPARTO: Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Mark Ruffalo, Elijah Wood, Tom Wilkinson, Thomas Jay Ryan, Gerry Robert Byrne, Jane Adams, David Cross, Ryan Whitney
MÚSICA: Jon Brion
PAÍS DE PROCEDENCIA: EEUU
DURACIÓN: 108 min.

Is this It?

2009-12-28T10:39:00.005+01:00

FICHA TÉCNICA:

GRUPO: The Strokes
AÑO DE PUBLICACIÓN: 2001
COMPOSITOR: Julián Casablancas
INTÉRPRETES: Julián Casablancas, Nick Valensi, Albert Hammond Jr. , Nicolai Fraiture y Fabrizio Moretti.
PRODUCTOR: Gordon Raphael.

MANAGEMENT: Ryan Gentiles / Wiz Kid Management.

INTRODUCCIÓN:

Un grupo de neoyorquinos jovencísimos (Julián Casablancas 23 años, Nick Valensi 20 años, Albert Hammond Jr. 21 años, Nicolai Fraiture 21 años, y Fabrizio Moretti 21 años), sacan un disco influenciados por el sonido del pop-rock de los años 80 llamado Is This It.

IS THIS IT?

Nadie ha llegado a una explicación tajante del significado del título del album, una de las opciones, por la que yo me decanto, viene a decir en castellano: ¿Eso es esto? Título que transmite confusión por el lío de palabras, embriaguez por ser una pregunta tan rara o en lugar de ello, burla para aquellos que buscan un significado detrás del nombre de un disco.

TAKE IT OR LEAVE IT
Letras, música, voz y rítmos desenfadados, directos, simples. Pero a la vez una música complicada, no de dificultad técnica, sino respecto a su comprensión. The Strokes nos presentan ritmos de batería machacones y duros con sonoridades de guitarra prácticamente sin distorsión y más bien melodiosas, y líneas de bajo inspiradas y melódicas aunque no complejas.

Alguno se estará diciendo: Eso sonará a mierda. Pero es que aún no ha acabado aquí, la voz suena de fondo y a veces a grito pelado, no de fondo como si no se oyese, de fondo como lo hacían los Doors, de manera que el volumen de la voz hace pensar que el cantante es miembro de un grupo y nunca muy superior al resto. Cada uno juega su papel en la melodía del conjunto, son dientes de un engranaje, a todos les llega el momento de participar.

THEY AIN’T TOO SMART
Las letras son los propios Strokes palpitando, recuerdos (Someday), fiestas (Last Nite), mujeres (en general), alcohol (tema que subyace de muchas letras), situaciones raras (ídem), insultos a la policía (New York City Cops). Estas letras nos acercan a las realidades diarias de los cinco intérpretes, son su sello especial en una danza de sonidos ochentenos indie.

PROMISES THEY BREAK BEFORE THEY MADE
Este grupo denominado por algunos como los “salvadores del rock”, y este disco considerado por otros como el mejor de esta década que acaba son dignos de toda la atención que musicalmente se le pueda prestar. Ambos ya son parte de la historia del indie pop-rock y han influenciado a cientos de grupos actuales, reinventando y redefiniendo la música a su manera.

Malditos Bastardos

2009-09-29T01:03:00.008+02:00

FICHA TÉCNICA

- TÍTULO: Malditos Bastardos, Inglorious Basterds.

- DIRECTOR: Quentin Tarantino.

- GUIÓN: Quentin Tarantino.

- REPARTO: Brad Pitt, Diane Kruger, Mélanie Laurent, Daniel Brühl, Eli Roth, Samm Levine, Mike Myers, Samuel L. Jackson, Maggie Cheung, Christoph Waltz.

- PAÍS DE PROCEDENCIA: EEUU.

- AÑO: 2009.

SINOPSIS

Diferentes personas en diferentes situaciones quieren matar y matan nazis manteniendo entre ellos el ser judíos como único rasgo común.

EL HOMENAJE, LA MISCELÁNEA TARANTINO

Cuando uno se sienta frente a una pantalla siempre espera encontrar algo. Unas veces lo encuentra, otras veces no. Podríamos decir que cuando te sientas a ver Inglorious Basterds sabes que vas a encontrar a Tarantino. De hecho lo andas buscando, aunque no sabes muy bien ni quién es ni qué va a querer decirte esta vez. Podríamos considerar que siempre mantiene la constante de sorprender con su gran habilidad para inspirarse en muchas fuentes que juntas pueden resultar extrañamente atractivas. La película sería como una rotunda afirmación sobre los valores que ha representado el cine de Tarantino, lo cual no deja de ser engañoso, porque uno puede sentirse decepcionado al encontrarse justo lo que andaba buscando en el lugar donde no esperaba cruzarse con él. A mí personalmente me ha encantado.

El director estadounidense es, sin duda alguna, un cinéfilo empedernido. Las escenas de la película parecen una mezcla manufacturada de todas aquellas películas que siempre nos han rodeado. Todo suena, todo parece conocido. De hecho, diría que son intrincadas aleaciones entre materiales extraídos de su amplio bagaje cinematográfico. Evidentemente, todas aquellas aportaciones, referencias al cine bélico universal, están mezcladas con los elementos propios del consagrado creador con la gracia, la espontaneidad y la locura que sólo pueden pertenecer a Tarantino- recordemos la excéntrica presentación de Hugo Stiglitz-. El producto es un verdadero homenaje- al que podríamos añadir un cierto guiño burlón constante- al cine, a la forma de hacer con él historia, de entenderlo. La historia de una realidad ficticia que convierte a la referencia de la Segunda Guerra Mundial en una excusa completamente prescindible.

MALDITOS BASTARDOS, LA VIOLENCIA Y EL DIÁLOGO

Son judíos, son soldados, están cabreados y quieren vengarse. Son el McCuffin, la justicia por contrapartida al genocidio que llevan a cabo los nazis. La película va de cómo matan o intentan matar a los soldados o partidarios del régimen con la misma crueldad con la que ellos se han ensañado sobre los judíos. Matan, matan, matan. No paran de matar y no quedan saciados. Incluso parece cómico si lo ves desde ese punto de vista. Hasta la mujer que lleva el cine se frota las manos- o, para ser concretos, se descojona literalmente- cuando piensa en acabar con ellos. Son los malditos bastardos, o los judíos que aparecen en el film en general- quienes ponen el toque de acción, la celeridad de los acontecimientos, la causa y la consecuencia de la misma.

Por otro lado está el aspecto más retórico de Tarantino. No podían faltar las largas conversaciones, las largas pero ilustrativas divagaciones que siempre adornan los largometrajes del estadounidense. En este caso están protagonizadas por los alemanes. Los judíos no necesitan hablar, actúan, se cansan de la actitud alegre, mordaz, siempre atenta de los nazis, en parte porque tampoco les conviene ni les interesa. A través de ellas, el director traza la incertidumbre, el suspense junto a la sospecha, así como muchas de sus reflexiones personales acerca de las justificaciones de la barbarie o el pensamiento nazi-fascista.

Finalmente, la combinación no es una resultante de unos diálogos edulcorados con derramamientos de sangre eventual, sino una composición de lo más artística en la clave de la miscelánea de la que antes ya hemos hablado. Es un cinéfilo con puntos fuertes, al fin y al cabo; y éstos son, claramente definidos en el film, el diálogo reflexivo y la violencia sin tapujos de elegancia.

El desconocido conocimiento

No es realidad, no es nada parecido al cine documental ni mucho menos, y sin embargo, Inglorious Basterds no deja de ser la resultante de un profundo conocimiento de la época y las costumbres. Impresiona el detalle con el que plasma Tarantino la percepción y el engaño de los acentos, los gestos, los rangos, las relaciones de jerarquía en torno a la voluntad del Führer, los usos administrativos personificados por Hans Landa...

UN REPARTO DE LUJO

Tarantino ha realizado uno de los esfuerzos internacionales más hercúleos y loables de la historia del cine. Ha escogido cada actor según la nacionalidad, lo cual no es más que una parte de su gran esfuerzo. Su gran habilidad para elegir intérpretes se hace evidente una vez más. Brad Pitt es un prepotente militar sin miedos ni dudas; sabe lo que quiere hacer y lo hace, de maravilla por cierto. Cada actor encaja a la perfección con su papel. Los gestos, las formas en que se desenvuelven con el diálogo parecen hechos directamente para ellos. No podía dejar de fijarme en este pequeño gran detalle, ya que, cuando miras a Hans Landa a manos de un impecable Cristoph Waltz (quien merece más que una meción especial) es él mismo quien sonríe, quien no para de hablar y engaña con su aparente sonrisa de un hombre que sabe perfectamente lo que se lleva entre manos, a quien se le hincha la vena de la sien cuando se ha llegado por fin al momento de la verdad. Y es que el momento de la verdad llega para todos, hasta para él mismo.

Resulta curioso que el objeto del casting sea éste y haga falta citarlo excepcionalmente cuando se produce la excepción en la que todo el mundo está en su sitio y nadie tiene por qué estar en otro lugar. Un hurra por Tarantino.

Elephant

2009-09-09T18:47:00.004+02:00

FICHA TÉCNICA

- TÍTULO: Elephant.

- DIRECTOR: Gus Van Sant.

- GUIÓN: Gus Van Sant.

- REPARTO: Alex Frost, Eric Deulen, John Robinson, Elias McConnell, Jordan Taylor, Carrie Finklea, Nicole George, Alicia Miles, Timothy Bottoms, Matt Malloy.

- PAÍS DE PROCEDENCIA: Estados Unidos.

- AÑO: 2003.

- DURACIÓN: 81 minutos.

SINOPSIS

(Aviso para navegantes, no querría destripar la película a nadie así que aún estáis a tiempo de ver esta fantástica película antes de leer lo que aquí está escrito. Hay tiempo para todo)

El trascurso de la vida de un puñado de estudiantes del instituto Columbine antes de que se produzca la ya conocida tragedia.

GUS VAN SANT, UN GENIO TAN SILENCIOSO COMO LA REALIDAD

Cuando hay algo tan importante que decir, es difícil saber cuál es la forma de hacerlo que realmente haga justicia a la realidad, ya sea con respecto a la felicidad o desgarro o cualquier otro sentimiento que quieras transmitir. ¿Qué pueden sentir los engranajes antes de la explosión? Supongo que ésa es la pregunta a la que le llevó la respuesta de Elephant. Las nubes, las personas, las conversaciones; todo es gris como si fuera fruto del desgaste de la costumbre y la monotonía. Es real. Quizá la única forma de definir el estilo pasivo aunque inexorable de Van Sant es la realidad. Cuando nos vemos reflejados en ella nos parece un tanto ajena, lejana, extraña. Sin embargo, podemos ver como muchas cosas nos suenan más de lo que deberían.

No hablo del film, hablo de una forma de ver la vida. Y es que es necesario saber lo que pasa en realidad fuera de nosotros con nosotros dentro para contarlo desde la misma historia. En mi opinión, en este caso, lo ha conseguido con creces.

EL INSTITUTO COLUMBINE

Después de recorrer en la piel de muchos de los estudiantes los pasillos, los baños, la biblioteca, la cafetería, las aulas de fotografía y debate, ya estás dentro del instituto Columbine. Van Sant te sube sin tapujos a la espalda de todos aquellos que deambulan en silencio, ofreciéndote una parte de la vida y la muerte, del día a día y de lo inimaginable. Momentos antes de que se inicie la matanza a manos de dos alumnos del mismo centro tiemblas. Tiemblas porque también estás entre esos muros y podrías ser perfectamente tú el siguiente.

¿Qué mejor forma de hacer justicia al funesto amanecer? En realidad, una vez que acabas de ver el largometraje, nunca imaginarías una manera mejor, aunque en el proceso reconozco que pueden surjirte muchas dudas sobre el estilo del estadounidense. De hecho, la película se hace muy larga, repetitiva en sus partes hasta que consigue enlazar los cabos sueltos y desembarazarse de la insoportable quietud que recuerda a la de un documental. De hecho, por qué no decirlo, es un documental filmográfico prácticamente.

ELEPHANT

¿Por qué Elephant? ¿Por qué no Columbine? ¿Por qué no cualquier otro nombre? Tal vez porque es gris, grande y lento. Tal vez no. En realidad podría ser por cualquier cosa y por ninguna. ¿Alguien ha pensado en el elefante republicano? Este... bueno. De todos modos, merece la pena realizar una pequeña reflexión al respecto. Las historias, todas y cada una, son partes insustanciales sin ningún tipo de importancia. Son prescindibles y sin embargo son lo único que conforma el hilo argumental, la historia, hasta el final conocido. Elephant podría ser otra pieza más del puzzle, que continúa sin solución, ni explicación, como la muerte de inocentes por un juego, o describir cómo cada uno es llevado sin salvación al matadero. No creo que el director sea un sádico. Tampoco un estúpido.

Gran Torino

2009-06-07T10:15:00.008+02:00

FICHA TÉCNICA:
- TÍTULO: Gran Torino.
- DIRECTOR: Clint Eastwood.
- GUIÓN: Dave Johannson y Nick Schenk.
- REPARTO: Clint Eastwood, Bee Vang.
- PAÍS DE PROCEDENCIA: Estados Unidos.
- AÑO: 2009.
- DURACIÓN: 116 minutos.

SINOPSIS

Walter Kowalski, un excombatiente de la guerra de Corea, sigue viviendo tras la muerte de su mujer en la antigua casa de ambos en medio de un barrio de inmigrantes en el que reina el desorden. A causa de su forma de imponer la justicia, queda unido a sus vecinos Hmong; al joven Thao Vang Lor y Sue. Un vínculo a través del cual se va desarrollando toda la película.

CLINT EASTWOOD, EL PRODUCTO DE UN SOLITARIO MUY CLÁSICO
Una vez más, Clint Eastwood traza las líneas de una historia humana a través de un viejo solitario que ya nada tiene que ver con su familia en este mundo. Comienza desarrollándolo a partir de la extraordinaria expresión en la dureza de facciones, en el silencio sepulcral de su compañía roto por agrias palabras de un desesperado incomprendido. No es nuevo el rechazo de los lazos de sangre por parte del director, ni nueva la perspectiva sombría de una vida encerrada en casa funcionando siempre conforme a la misma rutina. Frente a él está el mundo: la irresponsabilidad adolescente y la falta de respeto a la experiencia de una vida así como a la dignidad de sus mayores representada por los siempre despreciables nietos Kowalski, la elaboración de una vida diferente muy lejos de él, de sus hijos y la imbricación de todo un entramado de tribu urbana personificado en la banda del primo de Thao, pero con alguna otra referencia directa- último rasgo que ya ha plasmado en films como el de Mystic River.

Sin embargo esta soledad se presenta en un marco algo convencional, característico de un cine que nació en otra época y que se proyecta gracias a la genuina adaptación que elabora Clint con una temática y polémica actual. La utilización de los diálogos, las cámaras, la música, hasta el nombre del protagonista, y sobre todo, la estructura del film, hace del clasicismo uno de los aspectos destacables. Realiza la introducción del personaje con una riqueza gestual comedida pero efectiva y la conversación de sus hijos respecto del futuro de un convencional excombatiente chapado a la antigua, así como la del, en un principio bastante pánfilo, Hmong Thao cuidando plantas y sin mucha personalidad. El desarrollo es previsible, pero no por ello menos genial en la aplicación real de la justicia por parte de Kowalski. Por otro lado, cabe destacar que, en el trascurso de los minutos del film, se fragua el cambio que el público tiene de la imagen del ex-soldado, al introducir la tarea de enseñanza poco convencional del joven Thao, o Atontao, como él lo llama y al unir los lazos que no les hacen tan diferentes. Es, por encima de todo, un personaje algo racista y solitario, pero justo al fin y al cabo. Para terminar, el final es el tipo de desenlaces que hacen tener a la historia un sentido, un término claro y definible al romper el trascurso y las expectativas iniciales tan característico de los finales que utiliza Eastwood en sus películas- y pasando por alto que Thao vaya a buscar aventuras con el Gran Torino-. Por tanto las tres partes clásicas en las que se divide una historia están rigurosamente plasmados, haciendo de una segunda visión del film algo no tan necesario como habría merecido la calidad de la película a la que nos referimos.

LA JUSTICIA COMO FORMA DE VIDA
No se puede escapar el aspecto del sentido del film, el nexo de unión que permanece constante y que se utiliza como punto de referencia ante las diferentes situaciones que se dan. Y es que en un film están todas aquellas cosas que se pueden ver, tocar, saborear desde el otro lado de la pantalla, pero el segundo plano de desarrollo que debe de acometer un director no es menos importante y dificultoso en tanto que no se ve ni se toca ni se puede modificar con facilidad. Me refiero a la dimensión ideológica: lo que se extrae de la unión de todo sin el todo mismo. Es la justicia la idea que pervive en todo momento, en cuyo nombre, Walter Kowalski es su máximo exponente y aplicador práctico, pero todos son sus referentes directos.

No es justo que Walter se quede solo en casa, no es justo que el cura insista todos los días en la redención de este viejo irreductible, no es justo que Thao acabe metido en una vida de delincuencia porque no tenga personalidad, no es justo que los macarras Hmong campen a sus anchas ni dejar a Thao que cargue con el peso de matar a causa de lo que tienta a hacer la inexperiencia que bebe de un romanticismo y una pasión que no conoce la serenidad de un viejo sabueso militar. Hasta el final se construye en clave de esta dirección general como si se tratara de un mensaje a sí mismo y a todo el que le esté escuchando por parte de Eastwood: siempre nos quedará la justicia. Es una afirmación cuando menos alentadora, creo yo.

Gran Torino
¿Qué hace el nombre de un coche en el título de una película? El Ford Gran Torino es uno de esos coches al que sus dueños le sacan lustre en el patio para verlo sentados desde su porche, eso está claro; uno de esos coches que va pasando los años sin moverse del sitio- recordemos que Kowalski se mueve en un todoterreno a todas partes a pesar de tener semejante cochazo.

Creo que el Gran Torino es la presencia de una época pasada en la presente. Un legado de hace muchos años que todavía hoy puede considerarse una posesión envidiable. Quizá pueda ser definido como la excusa que desencadena la sucesión de acontecimientos, el elemento omitible más importante de todos.

Concluyendo... consiste en una excelente película con una magistral dirección y actuación de Clint Eastwood- lo cierto es que los otros papeles no destacan por su brillantez tanto como por el estricto y buen cumplimiento de sus funciones- que trata sobre la realidad compleja de quienes viven dentro de los prejuicios de la experiencia y la evidencia de un Estados Unidos dividido y peligroso que hace difícil la educación moral de quienes la necesitan. Un infierno para muchos, doloroso para otros, complicado para quienes buscan su sitio. Pero justo, al fin y al cabo.

Vicky Cristina Barcelona

2009-04-18T17:09:00.005+02:00

FICHA TÉCNICA:

-TÍTULO: Vicky Cristina Barcelona.

-DIRECTOR: Woody Allen.

-GUIÓN: Woody Allen.

-REPARTO: Javier Bardem, Rebecca Hall, Penélope Cruz, Scarlett Johansson.

-PAÍS DE PROCEDENCIA: Estados Unidos.

-AÑO: 2008.

-DURACIÓN: 96 minutos.

SINOPSIS

Un narrador cuenta la historia que se produce en el viaje que Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) realizan a España y en la que se entrecruza la curiosa relación de amor entre Juan Antonio (Javier Bardem) y Maria Elena (Penélope Cruz).

ARISTOCRÁTICA DE AMOR A BARCELONA

Woody Allen ya lo dijo cuando rodó la película que quería dedicar su film a su amor por la ciudad del Mediterráneo. Yo lo sabía. Sin embargo, no conseguí percibirlo mientras veía el film. Las calles, la gente y los escenarios por los que trascurren los minutos del largometraje serán de los lugares, pero en ningún momento captan la esencia que los hace ellos, ni a sus gentes, cultura o cualquier otra cosa que puedan tener. Barcelona recuerda a una urbanización para ricos que combina grandes mansiones y restaurantes aristocrático-bohemios al contar con conciertos de guitarristas profesionales en medio de una hermosa fusión de lo mejor de la ciudad con lo mejor de la naturaleza. Con lo que respecta a la otra ciudad española que aparece, Oviedo; cabe destacar que guarda un más que asombroso parecido con la anterior. Cito a la propia película cuando digo que la capital asturiana es una tierra dorada y cálida. Así es. Ni un resquicio de nube, ni casas al puro estilo, ni gentes del lugar. Cualquiera que viera la película diría que España ha sido invadida por ricos aristócratas que se dedican a vivir lujuriosamente de lo que tienen a bien ofrecerles sus rentas. Cualquiera que hubiera conocido mínimamente la ciudad que Woody presenta. La ciudad, la provincia, el país o el mundo. Incluso bastaría con tener nociones sobre la especie humana para intuir en el fondo que algo no encaja.

De todas formas, ¿cómo vamos a saber cómo es Barcelona si la única que se interesa por ella en el largometraje está visitando únicamente restaurantes de lujo y las obras de Gaudí? Y es que ella es una pequeña Allen en miniatura.

UNA CURIOSA HISTORIA CUANDO MENOS

¿Por qué esta profusión sobre la riqueza? Vicky y Cristina vuelan a Barcelona, la una para conocer más sobre la cultura catalana y la otra porque quería tener nuevas experiencias y hacer fotos- y si no lo dice así, mucho se le parece. El típico tópico de la aventurera y la mosquita muerta. Acaban alojándose en la gran mansión de un matrimonio de dos sesentañeros y encontrándose más tarde con el pinto Juan Antonio, que en una comida las aborda (después de haberlas visto con anterioridad) con la proposición de viajar con él a Oviedo para pasárselo bien, conocer la ciudad y tener sexo con él. Cristina quería y Vicky no, pues estaba prometida con alguien ya. Por casualidades de la vida, Cristina cae enferma y Vicky se acuesta con Juan Antonio. Al recuperarse Cristina, ambas amigas vuelven a Barcelona y ya ahí, Juan Antonio inicia un curioso romance con Cristina y los dos se van a vivir juntos a casa del español. Durmiendo, un día avisan de que la ex-mujer de Juan se ha intentado suicidar y entra en juego la loca- y en todo momento excelente- Penélope Cruz, con Maria Elena como nombre. Los recelos de la ex desaparecen a medida que va conociendo a Cristina y con el tiempo, y de forma bastante repentina, comienza una relación a tres bandas entre los tres personajes con el conocimiento de todos ellos.

Romper con el mito del trío estable así como así no es fácil y en ello, ni Woody Allen ni Cristina acaban por aprovecharlo en toda su aparente plenitud. Parece que es algo pero nunca lo llegas a saber con claridad. Con respecto al guión, la historia continúa. Una vez sale del círculo Cristina, Vicky cree querer entrar pero no lo consigue. Es en esencia una única historia estravagante de amor, original y atrevida, sin escrúpulos y esperanzadora.

NARRADOR OMNISCIENTE, OMNISCIENTE OMNISCIENTE

El caso es que Woody Allen siempre encuentra la forma de contar una historia. Quiere hacerlo de una forma que proceda con cada caso, alcanzar la fórmula concreta, y creo que en este caso no sólo no ha acertado con ella, sino que se ha pasado ligeramente de listo. Su Cristopher Evan , como voz en off, resulta cargante, se acaba pareciendo a esas voces que siguen como un hilo musical de ambiente los documentales de naturaleza. Nos cuenta cosas que pueden verse y otras que de hecho se ven. Sobrepasa así el límite que deviene de la combinación entre la razón y la percepción, fundamento esencial de lo audiovisual.

CONCLUSIÓN

Cabría destacar el excelente trabajo de los actores y del casting al reunirlos así. Su labor, sobre todo la de los actores españoles, sólo se puede percibir en versión original, ya que con los doblajes la tragédia pierde la fuerza tremenda de la voz que impone la desesperación de Penélope Cruz o la rabia agotada de Javier Bardem.

Antes que el Diablo sepa que has muerto

2009-04-10T07:38:00.006+02:00

MICROFICHA:

DIRECTOR: Sidney Lumet.
INTÉRPRETES: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Albert Finney, Marisa Tomei, Rosemary Harris, Aleksa Palladino, Michael Shannon.
MÚSICA: Carter Burwell.
IDIOMA ORIGINAL: Inglés (americano).
GUIÓN: Kerry Masterson.

FECHA DE PRESENTACIÓN: 6 de septiembre de 2007.
DURACIÓN: 117 minutos.

Brutal. Coge a un cobarde desesperado, un contable hedonista, un ex-policía enloquecido por el asesinato de su esposa, una esposa trofeo, un delicuente de poca monta, la mujer del delincuente de poca monta, un camello rico con vocación de casero, un atraco a mano armada que termina mal, dos asesinatos, tres cadáveres, cuatro muertes y un entierro, una complicada relación de familia, un problema de dinero (siempre acaba siendo un problema de dinero) y mételo en los mismos cien folios en blanco; agita, mézclalo con un toque de drogas, un pespunte breve de billetitos verdes, una cantidad importante de sexo, un par de pistolas y mucha, mucha ambición y tendrás una historia cruenta, que explica mucho de la vida y de las emociones humanas.

Trabajo de muy alta calidad, con una dirección que recuerda mucho a los Cohen, una actuación extremadamente buena, sobre todo por parte de Philip Seymour Hoffman, que interpreta a un oficinista reprimido de cierta responsabilidad y costumbres turbias, Andy Hanson; menciones especiales a Hank y Charles, interpretados, respectivamente por Ethan Hawke y Albert Finney. Dirigida por Sidney Lumet. Reflexionad, antes de verla, sobre qué es lo que estaríais dispuestos a hacer para cambiaros la vida, para cambiárosla por completo... y, cuando la hayáis visto, replanteaos por completo lo que hayáis pensado. Brutal de veras.

ANTES QUE EL DIABLO... En el cine, a veces se cuentan historias duras, lamentables o, directamente, tristes. Sin lugar a dudas, Antes que el Diablo sepa que has muerto es una de ellas.

Te das cuenta de lo importante y preciosa que es la vida humana para ti y para los demás sólo y exclusivamente si esa vida se apaga de repente, sin avisar. Entonces, todo cuanto había alrededor de la persona fallecida se hunde a gran velocidad. Y, también entonces, te das cuenta de que las cosas a las que daba importancia eran menos importantes de lo que parecían. Esta historia combina estos hechos con la ambición de un par de hermanos irresponsables que intentan corregir sus propios errores vitales a través de un único golpe astuto... y fracasan, con consecuencias difíciles de predecir.

Esta es una historia en la que se mezclan de manera bastante confusa argumento, ilusión, proyectos y desastre, drama y sufrimiento humano. Orgullo, avaricia, ira, lujuria, gula... todo un catálogo de pecados están a disposición del espectador en Antes que el Diablo sepa que has muerto, obra del director estadounidense Sidney Lumet (a quien comparan con Scorsesse por la profundidad de su cine). Este filme, sin embargo, se sumerje en los personajes y da una explicación muy plausible de lo que es cada uno de ellos. Son peligrosos. Son ambiciosos. Y, ante todo, están desesperados o descontentos con lo que les ha dado la vida... y, antes que eso, con lo que les ha tocado.

El atraco, no obstante, será el agente detonante de todo el problema, y será en torno al atraco donde se desarrollará toda la trama; casi es planteamiento, nudo y desenlace, causa y efecto, culpable y víctima. No es más que un MacGuffin, es cierto; pero es el centro mismo de la película (casi un protagonista más, puesto en el filme por un brillante Kelly Masterson), en torno al que los protagonistas y los secundarios verán retorcidas y torturadas sus ilusiones, sus objetivos y sus mismísmas vidas.

NO HAY CRIMEN SIN TALENTO. La gran desventaja de una historia complicada es que no hay manera de contarla de una forma completamente lineal; y esta película es complicada, y mucho. Hay formas de explicar las posibles salidas a esta situación, y la más útil es (cómo no) la imposibilidad de inbuir de interés a una escena al tiempo que darle un marco temporal coherente, ya que puedes ver a dónde va la película con claridad. Es una fórmula muy repetida en el thriller y, a mi juicio, está tan gastada que ya no funciona como antes. Para eso están los flashbacks.

Esta película recuerda al cine de Tarantino por ese motivo; toda la película está descoyuntada, planteada al estilo de los flashbacks, cada uno desde un punto de vista, explicando los motivos de cada personaje para sus acciones al remontarse a sus causas primeras, a los orígenes mismos de sus desastrosas actividades. No es que busquen la exposición desordenada de la trama y los hechos que la componen; todo el espinazo fundamental de la historia queda bastante claro en los primeros minutos de la película. sin embargo, con cada nuevo flashback empiezas a ver los detalles, las peculiaridades en cada personaje, en sus deseos, en sus aspiraciones, en sus miedos, en sus fracasos, en sus defectos... y, al final, claro está, en su caída. Eso sólo se consigue con un guión de primera, y con una relización de lujo. Antes que el Diablo sepa que has muerto los tiene. Y los desarrolla sin miedo, con transiciones rápidas y decididas, sin que resulten discordantes en absoluto. En conjunto, derivan hacia el final de la película, que no decepciona, aunque es algo previsible.

La puesta en escena es decididamente rotunda y deliciosamente acabada; Masterson, responsable del guión de Antes que el Diablo... hace un trabajo de buena coordinación y consigue un filme oscuro, casi deprimente, pero muy intenso y triste. Los resultados son tan evidentes que dan ganas de llevártelo a casa (más que otra cosa, el tal Masterson hizo su debut con esta película). El trabajo de cámara es, de hecho, bastante bueno; pasando del intimismo a los ámbitos públicos sin transiciones dignas de mención, el punto de vista se mueve rápida y decididamente, con suavidad y sin subjetividad, a pesar de que adopta una perspectiva en primera persona con mucha frecuencia. Lo refleja todo. De forma objetiva. Si Andy grita, la cámara va a Andy. Si Gina se asusta, la cámara quiere a Gina. Si Charley grita por teléfono, Charley recibe toda la atención del mundo. Un trabajo, en definitiva, simple y puro de atención focalizada.

Por otro lado, hay algunas composiciones en las escenas más especiales de la película que me fascinan. Cuando Hank y Andy hablan en el patio trasero de su casa, se sientan en un banco sin respaldo, cada uno mirando hacia el lado contrario. El resultado es que ambos aparecen reflejados a la vez, pero no se perciben las emociones que puedan reflejar sus rostros a la vez. En última instancia, no es que reflejen mucho.

A pesar de todo lo dicho hasta ahora, lo que de verdad se lleva el premio del día a la mejor película es (sin lugar a dudas) las actuaciones. Cógelas como quieras, la caracterización de los personajes y su extraordinaria capacidad para sacar emociones a medias, pero lo suficiente presentes como para que sean evidentes para el espectador, e incluso en los momentos en los que se imponen las emociones a la razón, con estallidos de furia, culpabilidad o pura desesperación son el mérito de cada uno de los actores. Y es un mérito increíble, porque disfrutas con la actuación de todos ellos. Particularmente magistrales son los personajes de Philip Hoffman, Ethan Hawke y Albert Finney. Son sencillamente sensacionales, y Lumet ha sabido exprimir a los tres actores al máximo, con resultados proporcionales a su talento. Esto es, tal vez, lo que separa a Antes que el Diablo... del cine de los hermanos Cohen: su emotividad, que depende directamente del casting y del director que está detrás de sus componentes. Los Cohen podrían haber hecho el mismo trhiller criminal con la mitad de sutiles matices y el triple de crudeza, pero entre la puesta en escena de Masterson y las dotes interpretativas de todo el reparto, podemos decir que el resultado no habría resultado ni de lejos tan intimista ni tan delicadamente construido, una obra de arte. Terrible, sin duda, pero una obra de arte. Arte cuando Philip empieza a gritar en el coche, cerrado con su esposa dentro; arte cuanto destroza metódicamente su piso; arte cuando deja implícito que el único culpable y responsable final de TODO es Hank, su hermano menor.

Por último, la banda sonora es magnífica en su simplicidad y brevedad. La melodía principal de la película no está hipertrofiada, tiene el tono adecuado (oscuro, resonante, casi acusatorio, fuerte y con una inensa culpabilidad) y se presenta en los momentos exactos de la trama, dejando el silencio para los instantes más importantes y brutales de los diálogos.

TODO QUEDA EN FAMILIA. [Atención: spoilers en masa de aquí en adelante; no leáis nada más, o toda la historia se va al garete. Es lo mismo que reventar la película por completo. Si no la queréis ver, allá vosotros.] Andy Hanson (interpretado por el brillante Philip Seymour Hoffman) es un ejecutivo en apuros; tiene una esposa preciosa, Gina, (que le pone los cuernos con el hermano menor de la familia Hanson, Hank), un trabajo excelente (en el que lleva una doble contabilidad que la auditoría de la semana que viene va a reventar) y pocos vicios (exceptuando el de pincharse heroína en la casa de su camello de lujo particular). Su vida le da asco, aunque no lo admite. No disfruta ni siquiera de la droga. Se limita a sobrevivir, pero la amenaza de la auditoría fiscal podría estar a punto de acabar con él. Y, en mitad de este mogollón, se percata de la solución a todos sus problemas.

Hank Hanson (Ethan Hawke) es un pringado de infantería y, aunque no es realmente una mala persona, tiene un cierto fondo criminal; tiene una ex-mujer difícil, una hija adolescente que hace preguntas incómodas para un padre en bancarrota y un deber para con ellas que cobra la forma de mensualidades. Está realmente empantanado; lo único que le gusta de su vida es su aventura con la esposa de su hermano, Gina (Marisa Tomei), una belleza escultural, que parece corresponderle con sinceridad, aunque no es demasiado inteligente. Sin embargo, quiere a su hija, y está dispuesto a mantenerla y a pagar las facturas del colegio al que va. Por eso, cuando Andy le cuenta cuál es la solución a todos sus problemas, se cuestiona sólo dos o tres veces la moralidad de sus actos. Pero es menos atrevido que su hermano. Robar en una joyería, vale; sin embargo, robar en la joyería de la familia...

Pero todo se va al infierno cuando el compañero al que Hank contrata recibe un tiro por parte de la dueña de la joyería, que no debería haber estado el sábado en el que se realizaba el atraco. La dueña de la joyería recibe un disparo como represalia, a pesar de que Hank le había ordenado a su socio que no disparara. El hombre encaja un tercer balazo antes de caer a través del cristal de la puerta del establecimiento, ante los ojos desorbitados del propio Hank, que sale huyendo.

Horas más tarde, los hermanos Hanson se percatan de lo peor de todo; en lugar de la vieja empleada que se encarga de la tienda los sábados, quien estaba allí era Ninette Hanson (Rosemary Harris), su madre. Y, tras una larga agonía comatosa, su esposo decide que prefiere "dejarla marchar".

En su rabia furibunda ante la ineficacia de la policía, el cabeza de familia, Charles Hanson (Albert Finney), se decide a encontrar al compinche del asesino de su mujer, que escapó en coche tras verle morir. Va tirando del hilo hasta que descubre el origen de todo el problema... y, para entonces, Gina ha dejado a Andy, Hank tiene que enfrentarse a la viuda desconsolada de su compañero en el "trabajo" en la joyería (y a su hermano) y Andy tiene planeado resolver todos sus problemas (por segunda vez) robando a su camello. Sin embargo, las disensiones entre los hermanos Hanson (Andy, frío, rabioso, con ganas de terminar con todos sus problemas y huir de la auditoría; Hank, asustado, desconcertado, deseando quedarse con su parte del dinero para pagar a su ex-mujer y a la viuda y dejar el asunto zanjado) terminan dejando a Andy y al hermano de la viuda heridos de muerte. Andy terminará en el hospital, malherido... sin saber que su padre, que sigue experimentando intenciones homicidas y a estas alturas ya lo sabe todo, le ha seguido.

VEREDICTO: Cruel. Descarnada. Reflejo leal a la realidad de lo peor que puede sacar el ser humano cuando se convierte en un auténtico criminal y no le importa convertirse también en asesino, haciendo de la lealtad un valor altamente relativo. Un torbellino moralista y retributivo que intenta demostrar que los malos actos nunca salen gratis... especialmente, contra los seres queridos. Un problema clave: ciertas escenas podrían resultar algo lentas y monótonas. Un punto fuerte clave: la actuación, que es perfecta y no se hable más. Resumen: el prototipo de la película dura, sin tapujos, en los que los personajes sufren sólo por sus propios actos, como consecuencia de sus propios actos.

Mirror's Edge

2009-02-05T10:34:00.010+01:00

Cuestión inicial sobre el parkour: ¿deporte, suicidio elegante o expresión cultural?

Cuando oí por primera vez hablar del parkour, pensé que se trataba de una comida turca; hoy, sé que se trata de una de las actividades físicas más complejas, ricas y arriesgadas que pueden desarrollar los deportistas urbanos, si es que existen los deportes "predominantemente urbanos". Y Mirror's Edge existe por y para el parkour. La protagonista del juego (al igual que sus camaradas runners) es una experta del parkour. Haga lo que haga, disfruta del hecho de saltar de una azotea a otra, de correr por las paredes, de tomar impulso para rodar por debajo de obstáculos, de emplear tirolinas como quien emplea ascensores, de tratar a los elementos del mobiliario urbano como trampolines y de ignorar recurrentemente a la gravedad.

Mirror's Edge es un juego basado en el parkour. Los protagonistas runners corren, saltan, casi vuelan, gracias a este curioso pack de habilidades físicas. No importa qué quieran conseguir con ellas, la cuestión es que pueden hacerlo. En el juego, los runners son una especie de mensajeros entre los elementos "extraños" de la sociedad, contactos y correos de los amantes de la ciudad que desapareció con el advenimiento del nuevo orden imperante; y lo consiguen gracias exclusivamente al parkour.

¿Estoy siendo demasiado insistente en el hecho de que este juego trata del parkour? Bueno, una vez he explicado esto, seguid leyendo...

Si el parkour es un deporte arriesgado ya de por sí...
En Mirror's Edge roza el suicidio.

Utopía, Distopía o, simplemente, Aventura.

Faith es una runner, una de las expertas mensajeras que se enfrentan diariamente a la muerte en los tejados de la Ciudad sin nombre en la que vive. Aunque no quiere admitirlo, echa de menos la vieja ciudad, la ciudad que murió cuando los policías, las cámaras de vigilancia y la justicia henchida de autoridad tomaron el control. Sus padres, partidarios de una ciudad menos segura, pero más humana, murieron durante la represión; toda la familia que le queda es su hermana, Kate, una joven y honrada policía. Y acaba de ser acusada de asesinato.

Nuestra protagonista buscará explicaciones y perseguirá a culpables, cazará a los asesinos, e incluso hará temblar los cimientos de la ciudad conforme avanza el juego... pero es triste admitir que la historia no da para más. Si Mirror's Edge tiene un defecto clave, ese es su falta de profundidad en la trama. El guión es pasable (cumple sin pena ni gloria, en realidad), pero tiene sus momentos, y los elementos clásicos de la distopía del "estado policial" perfecto están muy presentes e implantados de manera correcta. (V de Vendetta me saltaba a la mente mientras escuchaba los boletines de City Eye News); sin embargo, el resultado en conjunto de dicho guión es un cuento urbano de "chica vengadora" que, aunque es correcto en su ejecución, es demasiado breve y tiene una temática demasiado gastada. En resumen: es un juego corto, con una historia relativamente poco original. La trama no es absurda o inconsistente... pero no llama la atención, eso es todo.

Y aquí se acabaron los defectos, damas y caballeros. Eso es todo. Ahora, a lo que interesa...

Faith, la runner en la que se encarnará el usuario.

Sigue al color rojo...

El sistema de juego de Mirror's Edge es un milagro. No empleo otro término como "logro" o "éxito" porque se quedan cortos; es un milagro de la técnica y la informática por parte de los muchachos de DICE.

¿Por qué? Bueeeno... básicamente, los autores del juego apostaban por un juego sin HUD (sin todas esas molestas lucecitas e indicadores que aparecen en el campo de visión de los First Person Shooters, o FPS, aunque no tengan nada que hacer allí). El jugador sólo ve lo que Faith ve. Hacer un juego así era un desafío tremendamente innovador (y arriesgado, en todos los sentidos); ¿cómo sabes cuántas balas te quedan, qué camino debes tomar o dónde están tus enemigos?

DICE apuesta por un sistema más intuitivo y basado en el movimiento de la protagonista (es decir, en el manejo de los breves y sencillos combos que debe manejar el jugador para moverse por los escenarios del juego) que el de los shooters, y esto tiene su razón de ser: este es un juego sobre el parkour, creo que lo he mencionado antes, y los autores querían que el jugador se sintiera en la piel del runner, con todas sus virtudes y con cada uno de sus defectos; esto es, que el juego tuviera un altísimo factor de inmersión. Es cierto, es muy posible que tengas que enfrentarte a base de artes marciales a guardias de seguridad y antidisturbios, pero es preferible que huyas. ¿Suena decepcionantemente fácil? Ni hablar...

En respuesta al "¿y ahora qué?" que tiene que afrontar el usuario durante el juego, la interfaz del juego es simple a la vez que elegante: cuando llegues a un punto muerto en el que no sepas cómo continuar, busca el color rojo. Los elementos que te servirán para continuar avanzando hacia tu objetivo están coloreados de un color rojo vivo, vibrante, que destaca sobre los tonos más suaves que aparecen en paredes, logos, moquetas, carteles y paredes de la Ciudad. De eso hablaré más tarde, por cierto.

Busca el color rojo; si ves algo de color rojo, lo que sea, alcánzalo. ¡Es la intuición del runner!

Además, Mirror's Edge es un juego de plataformas tanto o más que un FPS; tienes que correr, es cierto, pero las azoteas te dan unas distancias insuficientes para alejarte de tus enemigos. Y no vas a escaparte de ellos dejándote caer de un edificio de más de treinta plantas, ¿verdad? Para eso están las plataformas, es decir: superficies próximas pero inaccesibles para sus perseguidores que puedes recorrer debidamente para escapar de ellos, aunque sea a base de simples quiebros y saltos de largo alcance. Sin embargo, y cuando no hay amenazas directas presentes en el medio, tienes que seguir avanzando hacia tu objetivo. En esos momentos de tranquilidad, tienes que esforzarte hasta el ridículo en puzzles complicados, que ponen a prueba tu habilidad, tu valor y tu paciencia. Es posible que te quedes bloqueado más de una vez debido a estos desafíos.

El Modo Carrera te permite acceder a mapas especiales, fuera de la historia del juego, en los que tendrás que batir récords de contrarreloj.

"¡No corra! ¡Repito, no corra!"

Aunque la inteligencia artificial de los enemigos del juego deja qué desear, la verdad es que, en más de una ocasión, no podrás ni soñar con dejarlos fuera de juego. Son demasiados o demasiado fuertes; en resumen, imbatibles. No aspires a pasarte el juego matándolos a todos... en fin, sólo hay que mirar a Faith: es pequeña, delgada y fibrosa, no un portento de musculatura como Lara Croft, o una modelo enlatada en una armadura personal, como Samus Aran. Parece milagroso que pueda aguantar un par de tiros; por suerte, lo normal es que las piruetas y acrobacias de los runners confundan a sus perseguidores lo suficiente como para engañar a su puntería.

Aún y así, puedes quitarles las armas a tus enemigos, puedes golpearles con gráciles patadas voladoras o firmes puñetazos, puedes derribarlos con ataques bajos, puedes lanzarlos los unos contra los otros... bien, en definitiva, no careces de defensas. Pero, por desgracia, coger las armas de los enemigos te ralentizará considerablemente y te hará incapaz de realizar los movimientos de parkour más sencillos; así que, si te encuentras una ametralladora por la que te brillan los ojos... olvídala. Es un amor imposible.

Faith no es una tiradora experta; puede manejar las armas que coge de los guardias, pero nada más. Por cierto, llevar armas es más una molestia que otra cosa: pesan demasiado.

Horizontes urbanos.

El aspecto gráfico del juego es su puntazo, el detalle del comportamiento físico de materiales es espléndido y los efectos de movimiento y los movimientos propiamente dichos de Faith son extraordinariamente realistas. ¿Muy brusco? Es lo que hay. Desglosémoslo todo un poco...

La Ciudad es un ambiente incomparable para desarrollar Mirror's Edge: los edificios semifuturistas, pero no de ciencia ficción; la solitaria majestuosidad de la andamiajes, edificios en construcción y grandes rascacielos; incluso el oscuro mundo de las alcantarillas, todo queda reflejado con un acabado pulido y muy agradable a la vista, que recurre a texturas muy detalladas y realistas, colores sorprendentes y llamativos que, de alguna forma, no quedan fuera de lugar (amarillo vivo, verde fosforito y azul cobalto, entre otros, que destacan entre los tonos blancos, grises y negros crudos) y a los elementos de mobiliario adecuados que aparecen en los diferentes mapas por los que nos movemos. Es una pena que casi no haya gente en ellos (exceptuando a los policías, que menudean en todos los mapas), aunque era de esperar; Faith emplea vías de transporte que ningún otro habitante de la Ciudad emplearía jamás.

La estrella indiscutible del juego, Faith, está muy presente en la pantalla; de hecho, sus brazos y piernas son lo único que verá casi constantemente el jugador.

La interacción con los escenarios es ejemplar: si Faith corre hacia una pared, trepa por la pared; si corre hacia un sillón, lo emplea como catapulta para llegar a un piso superior; si encuentra un cable, puede emplearlo como tirolina; si encuentra una barra de acero, puede saltar hacia ella y balancearse para ganar inercia y llegar a la siguiente plataforma; los límites de estos movimientos quedan para la imaginación del jugador, aunque, obviamente, ciertos puzzles sólo pueden resolverse con una serie correcta de movimientos y acrobacias. Y, por cierto; cuando realizas dichos movimientos, los gestos de Faith quedan magistralmente reflejados en la pantalla, y los efectos de motion blur (borrón de movimiento) son tan realistas que tienes que resistirte para no levantarte y recobrar el equilibrio.

La banda sonora del juego es perfecta para el parkour: tal vez tenga un toque de indie, pero es mayoritariamente música electrónica. ¿Merece la pena? Rotundamente, sí. El resto de los sonidos del juego están en la banda de lo adecuado, aún a pesar de ciertos efectos sonoros poco realistas, sobre todo los relacionados con los disparos... pero bueno, no es demasiado terrible. ¡Ah! Casi se me olvida. Por una vez, y exceptuando a una de las protagonistas secundarias, el trabajo de doblaje es impecable. Faith está doblada por la misma voz que la que acompaña a Angelina Jolie, por ejemplo.

La belleza de muchos paisajes urbanos, completamente artificial, puede ser cautivadora: líneas rectas, firmes y puras combinadas con la maraña de tuberías y torres de refrigeración de las azoteas.

El tercer lado del espejo.

No importa qué es lo que digan de él: muy corto, historia mala, simple... pueden tener razón, pero es superior a todos los juegos de su clase que haya jugado en mucho tiempo, gracias a la dirección artística y a los golpes de genialidad que constituyen el sistema de movimientos y la ausencia de HUD. Puede que el choque cultural, la innovación, la indiscutible extrañeza que cause en algunos, no sea evidente a primera vista... pero este es un juego experimental, una melange de acción y plataformas, de utopía y distopía, de personajes que persiguen la justicia desde el margen de la justicia, de contrastes... y son contrastes maravillosos.

El Guardián entre el Centeno

2009-02-03T16:09:00.006+01:00

FICHA TÉCNICA
TÍTULO: El Guardián entre el Centeno (The Catcher in the Rye).
AUTOR: Jerome David Salinger.
GÉNERO: Novela. PAÍS DE PROCEDENCIA: EEUU.
AÑO DE EDICIÓN: 1951.
TRADUCTOR: Carmen Criado.

"Si de verdad les interesa lo que voy a contarles, lo primero que querrán saber es dónde nací, cómo fue todo ese rollo de mi infancia, qué hacían mis padres antes de tenerme a mí, y demás puñetas estilo David Copperfield". Es la forma, el método, el desarrollo de todo lo que se nos ha dado. Eso nos hace nosotros mismos con todas sus consecuencias. Todo ese mundo de posibilidades, de soledad e inestabilidad se descubre a la vez que Holden Caulfield. Aparece hablando mal de un mito de la literatura, rompiendo modelos. ¿Por qué? Mientras te alejas de casa y notas que todo eso que llamabas hogar no lo es tanto y que estás asustado y que estás confuso. Mientras descubres las cosas que te gustaría ser, que detestas y que nunca has sido. Ése es el momento en el que uno es adolescente. Se metió en su piel Salinger. Fue él. Un exsoldado que participó en el desembarco de Normandía volvió a ser un niño conflictivo que no sabía lo que quería. Porque había aprendido a hacerse al miedo, a vivir del miedo, ser el miedo y no tener nunca más miedo de nada. Demasiado para alguien que hace poco que ha llegado donde está.

El Guardián entre el Centeno habla de cómo un niño vaga irremediablemente en el trascurso de sus días de un lado para otro. La soledad es el toque principal de la novela en la que nace, crece y se desarrolla. Constantemente cruzan personas en ese camino desolado del pelo canoso del joven teenager. Aparecen y desaparecen y nada cambia. Como si en realidad nadie hubiera estado allí. Stradlater, Ackley, Sally, Faith.“Si seguía clavado al suelo era por ver si me entraba una sensación de despedida… Lo que quiero decir es que me he ido de un montón de sitios sin darme cuenta siquiera de que me marchaba”. Pero incluso a la hora de darse cuenta, Holden sabe que habla para sus sentimientos a pesar de hacerlo en plural, lo que te convierte en un solitario al otro lado de las páginas, que reconozcas la apesumbrada existencia de él y entres en sus brazos y sus piernas. Todo lo que él hace parece justificarse solo y si comienza dando un poco de lástima e indiferencia, acaba transmitiendo la misma sensación sobre uno. Quizá fue eso lo que llegó a transmitir la comprensión a Mark David Chapman, conocido por asesinar a John Lennon en 1980; a John Hinckley Jr, que intentó asesinar a Ronald Reagan en 1981; o a Robert John Bardo, asesino de Rebecca Schaeffer.

"Soy el mentiroso más fantástico que puedan imaginarse. Es terrible. Si voy camino del quiosco a comprar una revista y alguien me pregunta que adonde voy, soy capaz de decirle que voy a la ópera. Es una cosa seria." La soledad y la lucha desganada de Caulfield es la de un joven que se cree también capaz de cambiar las cosas. Esos ¡jo!, esos "es verdad. Palabra", es en esencia la juventud de tantos niños encerrados en ciudades que se deshacen de ellos tan pronto y los expulsan a un mundo ajeno e indiferente. También es un lenguaje que denota confrontación con el mundo, de fastidio e impotencia desarrollada a una edad quizá demasiado temprana. Que lo enfrenta al mundo. Todo le parece mal, todo lo odia o incluso de repente le encanta. Es una especie de pequeño neurótico al que no le han enseñado a poder controlar sus sentimientos. Al no poderlos controlar internamente tampoco sabe evitar la exteriorización de esa especie de viento de destrucción que en realidad no es tal. Por eso Sally se asusta cuando le escucha hablar de marcharse juntos de la ciudad. Porque no es algo que la gente pueda esperar de un pequeño como Holden, de alguien normal. Esa juventud que quiere ser adulta, que quiere tratar de la sexualidad como si estuviese en edad y contrata los servicios de la prostituta Sunny para acobardarse en el momento de usarse de ellos.
Asusta la gran habilidad de Salinger para desarrollar una personalidad tan realista, tan profunda dentro de la superficialidad disgustada y desencantada que representa.

Y es que se trata de un personaje tan irracional como la vida misma. "Muchas veces me imagino que hay un montón de niños jugando en un campo de centeno. Miles de niños. Y están solos, quiero decir que no hay nadie mayor vigilándolos. Sólo yo. Estoy al borde de un precipicio y mi trabajo consiste en evitar que los niños caigan a él. En cuanto empiezan a correr sin mirar adonde van, yo salgo de donde esté y los cojo." Cómo puede querer marcharse a viajar por el mundo, a construirse una casa en ningún lugar si tan sólo quiere algo tan sencillo como impedir que los niños caigan al precipicio. Nada necesita de razonamiento para él. Con quererlo ya basta y es más que suficiente. Con quererlo durante un segundo por encima de todas las demás cosas.

"Eso es lo que me gustaría hacer todo el tiempo. Vigilarlos. Yo sería el guardián entre el centeno. Te parecerá una tontería, pero es lo único que de verdad me gustaría hacer. Sé que es una locura." Sabe que es una locura. Pero lo quiere hacer de todos modos. No le importa que algo sea una locura porque no sabe lo que implica. Está solo, es joven, tiene a mucha gente y a la vez a nadie en quien confiar, toda una vida por delante y demasiada prisa para estar en ella cada segundo de sus días. No creo que haga falta decir lo que representa cada personaje en este libro, porque realmente, y es lo que hace única esta novela, importa un pimiento.

"No cuenten nunca nada a nadie. En el momento en que uno cuenta cualquier cosa, empieza a echar de menos a todo el mundo." Quizá éste sea el arrepentimiento de quien se lastima de no haber llegado donde pretendía con los recursos que creía que necesitaba. Por otro lado, parece que tenía la necesidad de recordarse a sí mismo en unas situaciones tan tremendamente dantescas que, a sí mismo y desde la distancia, también impresionan y emocionan al volverlas a vivir.

Teléfono Rojo, ¿volamos hacia Moscú?

2009-01-30T09:22:00.014+01:00

MICROFICHA:

DIRECTOR: Stanley Kubrick.
INTÉRPRETES: Peter Sellers , Sterling Hayden, Slim Pickens, Keenan Wynn, James Earl Jones, Peter Bull, Tracy Reed, George C. Scott.
MÚSICA: Banda sonora original de Laurie Johnson.
IDIOMA ORIGINAL: Inglés (americano).
GUIÓN: Peter George, Stanley Kubrick, Terry Southern.

FECHA DE PRESENTACIÓN: 29 de enero de 1964.
DURACIÓN: 94 minutos.

BASADA EN LA NOVELA "RED ALERT" DE PETER GEORGE.

Stanley Kubrick nunca fue acusado de ser un director mainstream, sino más bien todo lo contrario; sus películas no eran simplemente "comerciales", sino tremendamente elaboradas, preparadas para ser vistas por personas inteligentes y con sentido crítico. Cuando Kubrick filmó y presentó La Naranja Mecánica, nadie pudo quedarse frío ante semejante obra maestra (por uno u otro motivo, y con muy diversas opiniones, la verdad es que nadie se puede quedar callado ni siquiera hoy en día).

Sin embargo, si Stanley Kubrick tiene una obra de denuncia rabiosa, mordaz y completamente desternillante a un tiempo que dramática sobre la naturaleza beligerante de la Humanidad (y, sobre todo, de los dos bandos de la Guerra Fría), esa es Teléfono Rojo, ¿volamos hacia Moscú?

El título original no es ese, en realidad; titulada en el idioma original "Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb" (algo así como "Dr. Strangelove o: De Cómo Aprendí a Despreocuparme Y Amar A La Bomba"), la película, que muchos consideran el culmen de la crítica a la guerra nuclear y a la absurda doctrina de la Destrucción Mutua Asegurada, se desarrolla en una situación hipotética durante la Guerra Fría. En mitad de este estado de tensión entre rusos y norteamericanos se ha empezado a desarrollar algo parecido a un acercamiento entre sus líderes políticos, el premier soviético Kisov y el presidente estadounidense Merklin Muffley (Peter Sellers).

"The fools... the mad fools..." En este mundo en tensión, el General de las Fuerzas Aéreas Jack D. Ripper (Sterling Hayden), comandante de la Base Aérea de Bulperson, da la orden a sus bombarderos de lanzar el Plan de Ataque R. Este plan, pensado como respuesta a un ataque soviético por sorpresa a los centros de poder y gobierno estadounidenses, establece que los bombarderos, armados (cada uno de ellos) con cincuenta megatones en bombas atómicas, atacarán a una serie de objetivos en el interior de Rusia desde sus puntos de espera, a dos horas de cada uno de esos objetivos. El ala de bombarderos 384, de acuerdo con el plan, codifica todas sus transmisiones, de manera que sólo Ripper puede retenerles. Sin embargo, al advertir a los soviéticos del terrible entuerto, Muffley es informado de la existencia de un Arma Definitiva soviética que destruirá toda forma de vida en la Tierra como respuesta automatizada a cualquier ataque nuclear sobre la URSS, y que no puede ser desactivada. Una forma de disuasión perfecta, de no ser, claro está, que el enemigo no sea consciente de ella. Y Ripper no es consciente de ella.

Este es el principio fundamental de una película en la que prácticamente sólo encontramos tres escenarios. Puede decirse que la trama gira en torno a la Sala de Guerra del Pentágono (en la que los miembros del Estado Mayor norteamericano y los miembros más importantes del gobierno estadounidense van perdiendo los nervios progresivamente), el bombardero B52 pilotado por el Mayor T.J. "King" Kong (Slim Pickens) y el despacho del General Ripper. Es un filme que critica la paranoia, la hipocresía, la escasa moralidad de un enfrentamiento teórico entre superpotencias, la insensatez de los militares y la torpeza de los políticos, pero sobre todo, que revela lo absurdo del uso militar de la energía nuclear. Porque, cuando se trata de una guerra en la que los dos bandos se van a exterminar mutuamente gracias a la combinación de ataque y represalia nuclear, ¿qué sentido tiene la guerra?

"... but no more than twenty million people killed! Tops! And depending on the breaks!" Para ser una película rodada en 1964, Kubrick ya se demuestra aficionado a los efectos especiales (dentro de las limitaciones de la época), y no se corta un pelo a la hora de hacer bromas indudablemente hirientes y malintencionadas a costa de los políticos, los militares y los más que cuestionables principios de ambas partes. No se trata sólo de la desaparición completa de la moralidad del General Turgidson (George C. Scott) cuando se sabe que ha empezado un ataque nuclear por orden de un único oficial de alta graduación que se ha vuelto loco, ya que recomienda lanzar un ataque total para masacrar completamente a los soviéticos sin que puedan responder, sino de la seriedad con la que los miembros del gobierno estadounidense sopesan las propuestas del Dr. Strangelove (también interpretado por Sellers), un superviviente del régimen Nazi y prototipo del "científico loco" como consejero de investigación y desarrollo de nuevas armas; como cabe esperar de este personaje desde el primer momento, nada de lo que dice o propone está dentro de los límites de la cordura, pero le toman en serio.

Hay ciertas marcas características de esta película, ciertas escenas y atisbos de imágenes que llaman más la atención que cualquier otra cosa en la misma. Por ejemplo, cuando se enfoca a Turgidson durante los primeros minutos de la reunión en la Sala de Guerra, aparece en el encuadre el lomo de un archivo titulado "World Targets In Megadeaths" (Objetivos Mundiales En Millones De Muertes), lo que da una idea del nivel al que trabajan ya los norteamericanos. Por otro lado, el propio Turgidson, que hace su debut en la película en una escena levemente tórrida (y definitivamente íntima) con su secretaria, pasa de dejarla esperando en la cama a acusar al premier soviético de ser un "ateo degenerado" por ir a encontrarse con una querida, y, finalmente, a mirar con interés la posible poligamia que habría que afrontar de cumplirse la amenaza soviética del Arma Definitiva para recuperar la población mundial desde refugios subterráneos. La hipocresía de los personajes es patente a muchos niveles, en varios asuntos y por varios motivos, .

"A fella could have a good weekend in Vegas with all that stuff..." Dr. Strangelove está plagada, también, de estúpidos manierismos y pequeños gags. El Mayor Kong, por ejemplo, se quita su casco y se pone un sombrero de vaquero cuando reciben sus órdenes; mientras que Turgidson no puede parar de comer sus chicles (hasta que se le acaban), Mandrake se dedica a juguetear con el envoltorio hasta dejarlo completamente liso; Ripper guarda una ametralladora pesada en su bolsa de palos de golf (con la correspondiente ristra de balas); el nombre completo del general, de hecho, es "Jack D. Ripper" (Jack "The" Ripper, o Jack el destripador, fue uno de los más peligrosos y infames asesinos en serie de toda la historia de Inglaterra); así, sucesivamente, los golpes de humor que Kubrick siembra a lo largo y ancho de la película van refrescando el ambiente cada vez más asfixiante de la funesta certeza que es la guerra nuclear, empleando para ello los desternillantes detalles de cada personaje.

Por supuesto, el guión es una pequeña joya, aunque, para ser sinceros, ni yo mismo aguanto ciertos diálogos técnicos de la película a bordo del B-52 del Mayor Kong, pero supongo que el guión debía demostrar una cierta verosimilitud y profesionalidad en la conducta de los pilotos. Especialmente impagables son ciertas escenas de la Sala de Guerra; recomiendo, por otro lado, que consigáis la versión original de la película; la versión doblada al español no está mal, pero la traducción es infame.

La banda sonora, por otro lado, es un vacío: sólo aparecen melodías al principio y al final de la película (sobre todo, las escenas del final del filme son profundas, a su manera; si podéis, haceros con la letra de la canción que suena con ellas, We'll Meet Again, de Vera Lynn, antes de escucharla). Ahora bien, si lo que buscáis es música, siempre que aparezca el B-52 de Kong (un avión llamado Colonia del Leproso, por cierto) sonará bien alta una melodía militar conocida por todos. Posiblemente otro gag, referencia a la estrechez de miras de quienes lo pilotan, que sólo saben que tienen que cumplir su misión, no importa lo que ocurra.

"Two can play that game, soldier! (...) Nice shooting, soldier!" Sin embargo, lo más curioso de "Teléfono rojo..." es que, sin ser realmente "sexual" está llena de símbolos fálicos y referencias escasamente veladas al sexo. Ripper se percató del plan ruso para conquistar el mundo durante el "acto físico del amor". Tanto Turgidson como el premier Kisov tienen affaires extraoficiales que atienden durante la película. Si bien según ciertos críticos de cine las dificultades técnicas del B-52 para lanzar la Bomba se pueden equiparar a las dificultades de Ripper durante el acto sexual, no termino de sentirme convencido al respecto, pero es indudable la analogía . Y, así, sucesivamente; los nombres de Stragelove, Merklin Mufflin, Mandrake y Kisov son de naturaleza al menos levemente sexual o relacionada con el sexo, al principio de la película aparece una escena de respostaje en el aire entre dos aviones norteamericanos que recuerda poderosamente a la cópula... etc.

Kubrick dirigió Teléfono Rojo, ¿volamos hacia Moscú? teniendo en mente una serie de objetivos. Tenía que ser más o menos fiel a Red Alert, la novela de la que extrajo sus ideas, y al mismo tiempo decidió que quería convertirla en una sátira que apuntara directamente a norteamericanos y rusos. Sin embargo, un hecho poco conocido es que sus actores trabajaron en unas circunstancias algo "especiales"; George C. Scott, por ejemplo, fue engañado (no hay otra palabra más exacta) por el director para que sobreactuara ciertas escenas, haciendo que Turgidson quedara reflejado como una personalidad altamente inestable. Sellers, que demuestra su extraordinaria maestría en la caracterización de tres personajes diferentes en esta película (el Dr. Stragelove, el presidente Mufflin y el capitán Mandrake) iba a realizar, en realidad, cuatro papeles (además de los tres que realizó, el del Mayor Kong), pero debido a un accidente que le sacó del rodaje en el peor momento, Pickens fue escogido en su lugar. Y suma y sigue.

Por supuesto, todo ello, sazonado con el genio indiscutible del gran Stanley Kubrick, da como resultado una comedia ácida, divertidísima y sugerente, que no puede dejar indiferencia sin necesidad de grandes despilfarros o de recursos facilones. Es, en definitiva, uno de los clásicos, una de las grandes obras maestras que no puedes dejar de ver.

"Gentlemen, you cannot fight in here! This is the War Room!" En todo caso, y a pesar de los posibles claroscuros en los que la película pudiera verse inmiscuida, es indiscutible que es una de las grandes obras del cine de crítica y de la comedia de todos los tiempos.

VEREDICTO: Divertida, mordaz, sutil y directa, todo a la vez... es una lástima que la historia que relata sea posible, porque, de lo contrario, podríamos reirnos sin necesidad de pensárnoslo mucho. Un problema clave: ciertas escenas son un poco exasperantes por la lentitud del guión, aunque podría ser la voluntad del propio director; dicho sea de paso que la traducción al español es insoportablemente mala. Un punto fuerte clave: Humor, militares y políticos durante una crisis de la guerra fría... sí, ¿por qué no? Resumen: Desde la impotencia hasta las utilidades del Cobalto-Torio G, esta película se puede disfrutar, estudiar y repasar un centenar de veces... y te seguirá haciendo gracia. Una obra maestra de ayer, hoy y siempre.

Diamantes de Sangre

2009-01-27T10:35:00.011+01:00

FICHA TÉCNICA:

NOMBRE: Diamantes de Sangre (Blood Diamond).
DIRECTOR: Edward Zwick.
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Jennifer Connelly, Djimon Hounsou, Michael Sheen, Arnold Bolso.
PAÍS DE PROCEDENCIA: EEUU.
AÑO: 2007.
DURACIÓN: 143 minutos.

SINOPSIS:
Tres personajes, el contrabandista Danny Archer, el pescador Solomon Vandy y la periodista Maddie Bowen, se ven envueltos en la búsqueda de un gran diamante que vale una fortuna y todos los entramados de la venta ilegal de esta valiosa materia prima de diferente manera.

INTRODUCCIÓN:
El contexto histórico en el que se desarrolla la trama del largometraje está enmarcado por el caos y la guerra civil que vivió Sierra Leona en la década de los años 90. En esa época, las luchas del gobierno y las fuerzas revolucionarias se subvencionaban con la venta ilegal de los llamados diamantes de sangre- de un color rojizo característico. Gente como el arquetipo de contrabandista que representa Danny Archer se encargan de eludir los controles que se impusieron al país en conflicto y hacerlos llegar en el anonimato de su procedencia al mercado mundial del diamante. En todo este conflicto civil en el que la explotación de los diamantes juega un papel esencial para cada uno de los dos contendientes, también se presenta el trágico resultado en la sociedad a través de los niños soldado, jóvenes arrebatados de sus familias para ser convertidos en máquinas de matar al servicio de los propósitos revolucionarios.

EL CONTRABANDO Y SUS PROTAGONISTAS
En un impresionante despliegue de carisma interpretativa, Leonardo DiCaprio se pone en la piel de un exmercenario de Zimbabwe con su característico, ¿ah?, ¿ya? como una especie de deje de mezcolanza lingüística, es cruel y egoísta por la condición en la que le han enseñado que todo el mundo lo es. A esto se contrapone Solomon Vandy, el pescador al que todo el mundo pisotea y que continúa siendo inocente y ajeno a todo el batiburrillo de traiciones que conforma la vida del contrabandista. Djimon Hounsou tiene esa especie de expresión anonadada, honrada, no humillada pero sí sorprendida y asustada que lo hace el personaje más cercano de la película. Como si fuéramos uno más de los que no saben ni lo que está pasando y nos dejamos llevar por el instinto de supervivencia y la unión familiar. La periodista forma parte del mundo comprometido e incorrupto que bien debe de estar en algún ministerio de la vivienda (esto ya no es de la película). Sufre, grita, se desespera y ama (a DiCaprio, por supuesto), aunque esto último no lo llegue a decir. Otras víctimas del contrabando serían los conocidos niños soldado, arrancados de los brazos de sus familias, hijos como el de Solomon Vandy, incorporados a la maquinaria de guerra, inexpresivos y sin ningún tipo de sentimiento que no sea odio en su corazón.

EL PERIODISMO EN DIAMANTES DE SANGRE
El periodismo en el film está presentado en una corresponsal desempeñada por Maddie Bowen y la multitud de periodistas que la acompañan cubriendo la información sobre el conflicto civil. La dureza de las actividades periodísticas propia de un contexto semejante se hace patente a lo largo de gran parte de la película. Los disparos pasan cerca de los periodistas, golpean tras sus pasos, son perseguidos y en otros casos muertos. El problema de un corresponsal estriba en el riesgo que corre su integridad física en el cumplimiento de su trabajo como periodista, pero no es ésa la labor que caracteriza a un profesional de la comunicación, pues también se arriesgan los civiles y los soldados. A la hora de distinguirlos de los demás, la película recae en la relación de la labor del periodista con las preguntas. De hecho, durante una secuencia del film Archer le pregunta a Vandy si no será periodista a causa de que lo interrogara demasiado. La periodista Bowen también pregunta, toma los datos y fotografía las imágenes que va a necesitar para su trabajo, y lo hace de forma incansable y ante todo tipo de circunstancias. El paradigma del periodista.La labor informativa entonces estaría representada por las ansias de saber, de averiguar para dar a conocer, pues no tan sólo están los hechos que se pueden ver, tocar, sentir. La realidad es que muere gente en la calle, el número de cadáveres, la cantidad de los ataques a los núcleos de población, pero también que alguien está financiando la guerra, y eso Bowen lo sabe. Se plantea entonces cuál es la labor correcta y a la que está destinado realmente un corresponsal. Ella quiere hablar de el esqueleto que mueve la situación desde la sombra, lo que verdaderamente es importante y condiciona todo lo que tiene que ver con la guerra civil. La periodista se refiere a la historia del reencuentro con su familia del pescador africano Solomon Vandy que ella mismo propicia como una exposición enternecedora más que como mucho logrará llegar a las emociones de alguno de los pocos que se pudieran sentir atraídos por una historia tantas veces repetida en tantos diferentes escenarios. Lo que es diferente es lo que atañe a la gente y, por ende, importa. La importancia forma parte de la definición de noticia.
Finalmente, Bowen escribe su reportaje, se publica en una revista “sensacionalista” según los implicados en la compra de diamantes. Su historia llega a buen puerto, se publican las oscuras labores de esos que pretenden perpetuar su poderío económico y su capacidad de control global. Pero quizá no acaben todos los casos como éste. ¿Cabría preguntarse cuántas realidades importantes esperan en el tintero a la espera de una base documental que las convierta en noticia?

ARQUETIPOS EN EL FILM
Los personajes son al fin y al cabo representaciones paradigmáticas de la realidad, al puro estilo neoclásico. El único que tiene una profundidad cambiante, supongo que a causa del efecto del sentimiento amoroso correspondido, es Archer- lo que le lanzó a la nominación a la estatuilla. Sin embargo, el film tiene una gran cantidad de estas formas planas de representación, como el malvado malo maloso y la periodista, que es buena y desprendida hasta decir basta. También están las situaciones típicamente americanas como DiCaprio corriendo entre un mar de disparos de helicóptero y metralleta, aunque son muy curiosos los climax sentimentales de la película y llegan con facilidad al público. Al menos yo mismo sentí la maravillosa vista que podría ver Archer al final de la película, y eso, amigos míos, no se consigue con la repetición de esquemas trillados. Excelente resultado, aunque quizá lo habría acortado.

La Comedia Nueva

2009-01-21T12:03:00.006+01:00

FICHA TÉCNICA:

TÍTULO: La Comedia Nueva.

AUTOR: Leandro Fernández de Moratín.

PRIMERA REPRESENTACIÓN: 1792.

CIUDAD: Madrid.

GÉNERO: Teatro. Comedia neoclásica.

RESUMEN:

La comedia nueva o el café trata de las conversaciones que se producen en un típico café madrileño cercano a un teatro sobre temas que giran en torno a la nueva creación de una comedia “intitulada como el gran cerco de Viena”. Toda la acción trascurre en el café y va desde las cuatro a las seis de la tarde.

INTRODUCCIÓN:

Antes de pasar al análisis más meticuloso con el contenido de la obra cabe pincelar el contexto histórico en el que esta obra fue escrita. El siglo XVIII fue un siglo de las nuevas luces que perfilaban los nuevos grandes pensadores: ilustrados y amigos de la ciencia y el conocimiento. Pero la totalidad de España no eran Floridablanca, Jovellanos y Cadalso. La sociedad dieciochesca estaba sumida en la oscuridad de la ignorancia y el analfabetismo. Los más eran simples parlanchines, “pedantes erizados, locuaces, presumidos de saberlo todo”. Mucha de esta gente perdura todavía hoy en la sociedad española. Es una marca de estilo castiza aquél que habla siempre y sin saber, los enterados del pueblo y la ciudad.

En este contexto, el teatro se alzaba como el máximo medio de comunicación con el pueblo. Sin embargo, su potencial se entregaba en manos de aquellos que enredaban con sus palabras; con difíciles argumentos mil veces hilados sobre sí mismos liaban al público, le mostraban con fanfarria inimaginable, soldados y ejércitos que se alzaban estruendosos. A lo sumo se llegaba a atrapar al público en lo intrépido y acelerado de la acción y se entretenía al vulgo. Nada más.

Este teatro barroco, algo caricaturizado en La Comedia Nueva, chocaba con el ideal de una forma de entender la representación dramática mucho más sencilla, de alcance universal y fines didácticos e ilustrativos. Ésta otra sería la comedia neoclásica y en esta clave escribe Leandro Fernández de Moratín el teatro al que nos referimos.

LEANDRO FERNÁNDEZ DE MORATÍN:

El autor es un ilustrado. En su obra habla incluso del Gobierno español como “un Gobierno ilustrado como el nuestro, que sabe cuánto interesan a una nación los progresos de la literatura, no dejará sin premio a cualquiera hombre de talento que sobresalga en un género tan difícil” (Don Pedro). Sus ideas contrastan fuertemente con las de los autores barrocos y eso está muy presente en la temática de la historia. El universalismo al que aspira con la literatura queda reflejado en la sencillez y la meridiana claridad del lenguaje que utiliza. Desea que llegue su mensaje al público, hilar los personajes en torno a ellos.

EL TEATRO COMO METATEATRO

Quizá lo más interesante de esta obra es la creación de teatro en el mismo teatro, un género novedoso y con muchas posibilidades argumentales. Ya Don Eleuterio en el primer acto está construyendo la tonadilla a su función: DON ELEUTERIO: “(...) Ocho o diez versos de introducción, diciendo que callen y atiendan, y chitito. Después unas cuantas coplillas del mercader que hurta, el peluquero que lleva papeles, la niña que está opilada, el cadete que se baldó en el portal; cuatro equivoquillos, etc., y luego se concluye con seguidillas de la tempestad, el canario, la pastorcilla y el arroyito. La música ya se sabe cuál ha de ser: la que se pone en todas; se añade o se quita un par de gorgoritos, y estamos al cabo de la calle”. Don Hermógenes también indica de una forma peculiar, cómo se realiza según su parecer, una comedia, y cito el momento en el que le preguntan su opinión sobre la comedia El Cerco de Viena: “DON HERMÓGENES: Sí diré; pero antes de todo conviene saber que el poema dramático admite dos géneros de fábula. Sunt autem fabulae, aliae simplices, afiae implexae. Es doctrina de Aristóteles. Pero le diré en griego para mayor claridad. Eisi de ton mython oi men aploi oi de peplegmenoi. Cai gar ai praxeis...[...] Cai gar ai praxeis on mimeseis oi...[…] ...mythoi eisin ipar ousin...

De este modo, Leandro hace teatro haciendo teatro dentro de él. Construye y destruye la voluptuosidad barroca con el fin de destacar el contraste con “La nueva comedia”. De hecho, hay un momento recogido en la introducción, en el que Don Eleuterio exclama en el segundo acto: “DON ELEUTERIO: ¡Picarones! ¿Cuándo han visto ellos comedia mejor?”. En su representación en 1792 esta frase fue aplaudida por el patio del público por lo equívoco de su referencia y la propia situación en la que se estrenó. Mucha gente quiso boicotear el teatro, tal como se habla en la misma obra de los abucheos pagados que mueven al resto de gente; un acto que destroza la obra y la aleja para siempre de los tablados donde se representa. Cabe destacar que la misma Doña Mariquita tiene miedo de que un boicot pueda echar al traste la obra de Don Eleuterio, tal como ha pasado con tantas otras. Una obra en la que ha depositado tantas esperanzas de futuro.

LA CRÍTICA DE LA SOCIEDAD

Para llevar a cabo este análisis crítico en La Comedia nueva, Leandro Fernández de Moratín usa arquetipos genéricos de proyección universal. Como ilustrado, aplica sus formas de conocimiento racional a los esquemas sociales de una forma sencilla y claramente identificable. De este modo, no existen por sí mismos Don Hermógenes, Don Pedro, Don Antonio y Don Eleuterio; pero sí sus aproximados reflejos en la realidad. Esta razón es por la cual sufrió cinco censuras tras las cuales se descubrió que no se trataba de un “libelo difamatorio”, sino “una comedia escrita con arte, capaz de producir efectos muy útiles en la reforma del teatro”.

Don Eleuterio “es el compendio de todos los malos poetas dramáticos que escribían en aquella época, y la comedia de que se le supone autor, un monstruo imaginario, compuesto de todas las extravagancias que se representaban entonces en los teatros de Madrid”. Don Hermógenes el pedante sabelotodo, además de malvado y pérfido, tan extendido en la raigambre cultural española de entonces y ahora. Éste último sería el crítico ilustrado que quiere hacer primar la razón sobre el burdo y vacío entretenimiento de la turba del vulgo. A don Antonio, aunque es un hombre ilustrado, es el arquetipo del hombre que lleva con desenfado sus días y al que no le interesan o le afectan las creaciones literarias; Doña Agustina una típica adoradora de sabios farsantes, marisabidilla; Doña Mariquita una pobre chica que busca colocarse en unos tiempos difíciles para una familia grande y hambrienta, algo muy común en la España del XVIII. Pipí sería la más clara representación del pueblo llano en una sola persona; alguien que busca entretenerse de la vida rutinaria que lleva en el café como camarero.

FINALIDAD DIDÁCTICA-MORALISTA

La presentación de los personajes, el desarrollo del argumento hasta el estreno y el fracaso estrepitoso de la comedia El cerco de Viena, conducen a la desesperación del autor de la misma, Don Eleuterio, y la de Doña Mariquita; ninguno de los dos tendrá ya de qué vivir. En ese contexto, Leandro termina la obra con la esperanza iluminada por un Don Pedro nada indiferente a los sufrimientos de quienes en su inocencia confiaron en la sinrazón de un embaucador como Don Hermógenes, no van a poder dar de comer a su familia: “DON PEDRO.- Es menester olvidar absolutamente esos devaneos; ésta es una condición precisa que exijo de usted. Yo soy rico, muy rico, y no acompaño con lágrimas estériles las desgracias de mis semejantes. La mala fortuna a que le han reducido a usted sus desvaríos necesita, más que consuelos y reflexiones, socorros efectivos y prontos. Mañana quedarán pagadas por mí todas las deudas que usted tenga”.

CONCLUSIÓN

Es una obra sutil, ingeniosa y sencilla de crítica certera a los males de nuestra sociedad, muchos de ellos aún vigentes. Hay que advertir la carencia en cuanto a la parcialidad del mismo autor respecto al asco a la pedantería, o como el llama, eruditos a la violeta, así como al teatro popular en su degeneración última, y su amor a la ciencia y la ilustración, lo cual crea un entorno algo plano en la emotividad y el desarrollo propio de la personalidad de cada uno de los personajes. Un delicioso teatro, no obstante. Hay que saber apreciar la gran habilidad de los maestros.

The Spirit

2009-01-13T13:06:00.012+01:00

FICHA TÉCNICA:
-TÍTULO: The Spirit.
-DIRECTOR: Frank Miller.
-GUIÓN: Will Eisner (autor del cómic con el mismo nombre) y Frank Miller
-REPARTO: Gabriel Macht, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Eva Mendes, Paz Vega, Jaime King, Sarah Paulson.
-PAÍS DE PROCEDENCIA: Estados Unidos.
-AÑO: 2009.
-DURACIÓN: 90 minutos.

SINOPSIS:
Un héroe enmascarado llamado Spirit (Gabriel Macht) se encarga de intentar frustrar los planes de su némesis Octopus (Samuel L. Jackson), un doctor que ha conseguido la fórmula de la inmortalidad (o su apariencia), y que intenta dominar el mundo. Para ello, tiene que beber la sangre de Heracles y ser igual de poderoso e inmortal que un dios.

FRANK MILLER Y THE SPIRIT:
Frank Miller, el supuesto heredero de Tarantino que sólo ha bebido de la sangre que manaba de sus historias, pretendía desde el principio del film centrar la atención en un personaje singular. Mediante una presentación quizá demasiado osada y confusa, llegaba con una historia de amor del personaje y la ciudad, dos desconocidos solitarios que se protegían mutuamente. Con esto, Miller se desmarca de su trabajo polifacético de Sin City e intenta desarrollar una única personalidad que atraiga al público. ¿Pero quién es Spirit sino un hombre que ha escapado de la muerte y logra escapar una y otra vez? Un policía que al morir es un conejillo de indias para Octopus y su investigación sobre la vida eterna. La construcción de un espacio mental creíble no requiere de tiempo, sino de dedicación, y no logramos saber en ningún momento quién es a pesar de lo enano de su máscara, ni meternos en su piel, salvo en contadas situaciones de tranquila narración, de soliloquio que parecen como islas disonantes con el resto del color del film y lo hacen aparecer respecto al conjunto con un toque de apariencia superficial, que sobra, que no pinta absolutamente nada.

CENTRAL CITY
Después de una hora y media de película vuelve a aparecer el amor de The Spirit. El sentido y la esencia de la película parece ser la ciudad que le da vida a este personaje. La victoria, el tiempo, las mujeres, nada puede separarlo de ella. Y conviene decir quién es ella: una inmunda ciudad oscura y pestilente donde los policías mueren a diario entre sus calles y sus múltiples crímenes. Es el paradigma de la ciudad de cómic con un enamorado que dista mucho de las posibilidades fantásticas de otros muchos héroes que han saltado al cine. La inmortalidad es el único elemento que lo hace intocable del mismo modo que lo hace con su contrario Octopus.

Pero no nos equivoquemos. Tenemos que recordar que, a pesar de ser el elemento a través del que gira toda la historia, como ocurre con Sin City, su protagonismo se reduce a nada. Son dos referencias que pretenden llenar el vacío que ha dejado el sinsentido de la lucha de Spirit. Unos ganan, otros pierden, pero la ciudad perdura. ¿Y qué? Es lo que uno se pregunta cuando se baja el telón. Central City no es más que una ciudad, y ya está.

LOS ACTORES
Gabriel Match realiza un buen Spirit. Quizá algo forzado y arquetípico en todos sus gestos, igual que Jackson con Octopus, pero yo creo que es la propia intención del director, lo cual no me parece mal.

Supongo que si tuviera que hacer hincapié en algo referente a los actores sería la total falta de aprovechamiento de las increíbles estrellas que tenía a su disposición. Las mujeres son poco menos que burdas excusas. Todas ellas podrían no aparecer y nada habría cambiado. Scarlett Johansson es Silken Floss; es una chica que lleva como decoración la aparición de Octopus en pantalla. Nada más. Paz Vega es Plaster de París, una asesina o algo así que sale y desaparece en cinco minutos. Nada más. Y Eva Mendes es Sand Sareth, alguien que desarrolla su papel como perseguidora de cosas brillantes. Nada más. No me digan que no suena profundo. La única que se salvaría es la mujer del fallecido policía en el que se ha convertido Spirit.

CONCLUSIÓN:
Cada vez estoy más desencantado por la producción actual en lo referente a filmografía. Me sorprende que se rellene tanto tiempo con nada más que dinero, y más después de ser una película que lleva en proyecto desde el año 2.004 y cuenta con actores tan conocidos. El discípulo de Tarantino recuerda más a lo irrelevante de sus películas. Fui a verla con la mayor ilusión del mundo y me encontré con algo difícil de digerir. De ver y de digerir.

Buenas noches y Buena Suerte

2009-01-09T12:10:00.016+01:00

FICHA TÉCNICA:
-TÍTULO: Buenas noches y buena suerte (Good nigth and good luck)
-DIRECTOR: George Clooney.
-GUIÓN: George Clooney y Grant Heslov.
-REPARTO: David Strathairn, George Clooney, Robert Downey Jr., Patricia Clarkson, Frank Langella, Jeff Daniela, Tate Donovan, Ray Wise, Tom McCarthy, Matt Ross, Robert Knepper.
-PAÍS DE PROCEDENCIA: Estados Unidos.
-AÑO: 2005.
-DURACIÓN: 90 minutos.

SINOPSIS:
El periodista Edward R. Murrow, un veterano presentador de radio y televisión, protagoniza desde su programa ‘See it now’ en la CBS, con la colaboración de su compañero Fred Friendly, una campaña contra las persecuciones comunistas del senador Joseph McCarthy en una etapa conocida como la ‘caza de brujas’.

INTRODUCCIÓN:
Para enmarcar la situación política y periodística en la que se sitúa la producción cinematográfica debemos de retroceder hasta los años cincuenta, unos años en los que se temía la extensión del comunismo en EEUU y el periodismo informativo en televisión estaba todavía en su fase embrionaria. Los temores venían determinados por el contexto de la guerra fría, que enfrentaba a la superpotencia estadounidense contra la emergente URSS. Esta incertidumbre inicial desencadenó lo que denominó Murrow como la etapa del terror, de persecuciones políticas a los supuestos afiliados al partido comunista; diferentes traidores y espías que servían a la potencia soviética. El terror llega a cotas insospechadas en el momento en el que supuestos sospechosos son condenados a cumplir penas sin ningún tipo de prueba y saltándose todo tipo de procedimiento legal.

LA INFORMACIÓN LLEGA A LA TELEVISIÓN:
Posiblemente, Edward Murrow ya se consagró como comunicador cuando, en un alarde de inmediatez inédita hasta entonces, emitió con honda corta desde la primera línea del frente en Europa conexiones en directo de la Segunda Guerra Mundial. El film recoge también sus primeros documentales televisivos que sirvieron posteriormente como ejemplo a seguir por el resto de producciones audiovisuales de este tipo al introducir un rostro parlante en ellos. Esta nueva forma se llevó a cabo en una televisión que todavía tanteaba sus posibilidades informativas y de qué modo. Su programa ‘Cara a cara’, que parece un espacio de entrevistas más o menos interesantes o entretenidas de mano de Edward Murrow, pasa a convertirse en ‘See it now’ (Véanlo ahora); un tiempo de repaso analítico y crítico de declaraciones o acciones controvertidas, como la explotación ilegal de inmigrantes, y un programa en el que protagonizó el histórico enfrentamiento con el senador Joseph McCarthy. En él realizaba un montaje de las imágenes grabadas entre los tramos de discurso que prueban las fuentes en las que se basaban. Un gran paso de gigante en el que se sentaron las bases de la información sobre el compromiso y la libertad de expresión, la verdad y el rigor periodístico.

LA LIBERTAD DE EXPRESIÓN EN BUENAS NOCHES Y BUENA SUERTE:
En unos tiempos en los que cualquiera que se opusiera a las imparables iniciativas de limpieza ideológica del senador McCarthy era considerado comunista y corría peligro de cargar con duras consecuencias por ello, Murrow lanza su tiempo en televisión como una exposición de lo increíble de los hechos. Con los ideales democráticos puestos en jaque y los derechos de los ciudadanos vulnerados, el mismo periodista destaca que la mera exposición de las mismas declaraciones del senador y sus acusados era más que suficiente para informar de forma objetiva sobre la barbarie llevada a cabo por su tribunal. Los principios del periodismo televisivo nacían de este modo con un fin comprometido y en una situación controvertida, pero fiel a la verdad y lejos de la sombra de indiferencia ante el terror y el miedo de ser perseguido por la justicia por ello. Se desata de este modo las posibilidades que supone la libertad de expresión para los medios y sus consecuencias en la misma sociedad.

La campaña de Edward Murrow finalmente replanteó y cambió drásticamente muchas de las decisiones llevadas a cabo por el tribunal presidido por el senador republicano. De hecho, llega a oídos de la redacción de la CBS que los militares iban a llevar a McCarthy ante el senado por lo irregular de sus métodos y lo indiscriminado de sus ataques hacia todas las áreas de la sociedad estadounidense. Sin embargo, el suicidio de Don Hollenbeck, presentador de los informativos de la CBS, a causa de las múltiples acusaciones por parte de la prensa de su corte izquierdista y sesgado, es una de las manchas en el historial del canal en esta labor comprometida, que lleva a apartar el programa de Murrow a un espacio en la programación diaria de la televisión donde eran mucho más bajos los índices audiencia.

LA CRÍTICA A LA TELEVISIÓN DE EDWARD MURROW:
Al final y al principio de la película, el periodista que ha puesto tanto en juego por sacar a la luz información incómoda para aquellos que mueven los hilos del poder, ataca la posición que adoptan los medios respecto de la realidad. Frente a la opulencia social, la preocupación en lo que se refiere a temas comprometidos resulta problemática. La televisión se presenta como un recurso al entretenimiento, la evasión del público que la ve. Es una forma de atraer a todos aquellos que se sientan frente al tubo catódico y necesitan gastar su tiempo sin sobresaltos ni sorpresas. Ya dice Murrow que quizá lleve a esta situación la necesidad de la financiación de las empresas, por el miedo a que desaparezca la audiencia siempre tan preciada. Sin embargo, rectifica a aquellos que temen por sus beneficios y defiende con esperanza que la televisión puede añadir luz sobre muchos temas importantes para el futuro del país. Depende de aquellos que la controlan que la historia no acabe cogiendo al presente y demostrando la indiferencia acomodada a la que ha contribuido un opio más para el pueblo y la innovación. Un opio que sólo es un conjunto de cables y nada más, y sin embargo puede llegar a ser algo mucho más que eso.

Leones por Corderos

2009-01-02T09:28:00.005+01:00

FICHA TÉCNICA:

-TÍTULO: Leones por Corderos (Lions for Lambs).

-DIRECTOR: Robert Redford.

-GUIÓN: Matthew Michael Carnahan.

-REPARTO: Tom Cruise, Robert Redford, Meryl Streep, Derek Luke, Michael Peña, Andrew Gardfield.

-PAÍS DE PROCEDENCIA: EEUU.

-AÑO: 2007.

-DURACIÓN: 90 minutos.

SINOPSIS:

El senador Jasper Irving (Tom Cruise) concede una entrevista a la periodista Janine Roth (Meryl Streep) mientras el catedrático idealista Stephen Malley (Robert Redford) intenta hacer razonar a su alumno Todd Hayes y se está llevando a cabo una operación frustrada en Afganistán donde participan, caen heridos y finalmente muertos Ernest Rodríguez y Arian Finch, ambos alumnos de Malley.

INTRODUCCIÓN:

Para contextualizar un hecho real concreto, la película Leones por Corderos utiliza varios enfoques. Ése sería el tema de la película. El contexto o el marco de debate es la guerra de Afganistán, la respuesta a los ataques del 11 de septiembre y las implicaciones de la ocupación de dicho territorio por el ejército estadounidense; un conflicto que no desencadena únicamente acontecimientos en el mismo lugar del combate. La primera de las perspectivas vendría desarrollada por el Senador Jasper Irving, alguien que mueve los hilos de sus ambiciones políticas bajo las atentas preguntas de unos engatusados medios de comunicación representados por la periodista Janine Roth, el segundo punto de vista desarrollado en el film. Otro personaje, el profesor de Ciencias Políticas Stephen Malley, intenta hacer ver a su descarriado alumno Todd Hayes las consecuencias que acarrea la indiferencia generalizada ante la omnipotencia concedida a los dirigentes políticos, una tercera vía al campo descrito. La última de las perspectivas sería la de dos estudiantes alistados en el ejército y el desarrollo de un nuevo plan en la zona de combate de Afganistán. Después de la separación analítica de estos tipos de situaciones podemos encauzar la profundización en el aspecto que más concierne al mundo del periodismo que es el que nos ocupa.

EL PERIODISMO EN LEONES POR CORDEROS

El primer problema que plantea el director Robert Redford es el de cómo acceden los periodistas a la información exclusiva. Un senador llama a una periodista y le manifiesta el esfuerzo que quiere realizar por hacer llegar información actualizada y fiable a la prensa. Una hora cara a cara para sacar a la luz un nuevo plan que acabaría con el conflicto en Afganistán que ya llevaba seis años de duración y que conseguiría, según palabras del político, ganar la guerra y el corazón del pueblo. Cabe destacar el giro que quiere dar con esto el senador Irving a la visión sobre la situación en este país. La periodista Janine Roth tiene el proyecto de realizar una cronología sobre el terrorismo. El enfrentamiento de perspectivas se produce en el momento en el que ella pretende realizar la recogida de hechos de los últimos seis años y el senador afirma que los periodistas escogen de entre todos los hechos solo aquellos que les interesa sacar. Lo que quiere Irving es que la periodista olvide el trabajo en esa cronología en la que se reflejan errores pasados y mire al presente, al ahora, y para ello le proporciona los detalles y datos que necesita. El cuerpo político pretende que todo sea olvidado y se recupere la esperanza en el gobierno y sus nuevas iniciativas. Janine es el medio que tienen para transmitir ese mensaje al mundo, que cale en las masas de votantes ya algo confusos y desengañados por el conflicto en tierra afgana. En concreto consiste en la exclusiva sobre el nuevo plan del gobierno de impulsar una nueva estrategia militar a una escala menor y más especializada que lleve al contingente estadounidense a zonas elevadas y obtenga una posición mejor sobre el enemigo para poder derrotarlo.

Dado que en su mayoría se trata de información confidencial, el senador apela a la confianza de la periodista y los medios, al patriotismo americano que necesita de unidad ante el dolor y la tragedia de los ataques terroristas para la victoria de la nueva estrategia. Una confianza que ya se había otorgado a los dirigentes con motivo de los ataques a las torres gemelas. En este caso, la película deja entrever que, incluso la periodista que está realizando la entrevista al senador llevó a cabo una ciega transmisión de lo acertado de las pretensiones del gobierno dada la delicada situación que se vivía en el país. La duda surge cuando se plantea la posibilidad de que regresen los viejos errores presuntamente superados, cuando con la misma certeza con que se planteaban los planes, vuelvan a dar un resultado similar. La misma Janine insiste en poner en tela de juicio la credibilidad que le queda a un gobierno que tanto ha utilizado a la prensa, que ha intentado manipular o dar falsas esperanzas con apariencias difícilmente justificables dentro de un contexto tan dramático.

Durante la misma entrevista, va teniendo lugar el estrepitoso fracaso de la importante operación que presenta el senador a la periodista, incluso mueren dos soldados que eran alumnos de Stephen. De hecho, y por si fuera poco, la misma conversación entre Malley y su alumno ridiculiza la hipocresía de los políticos afianzada en su pragmatismo a causa del desconocimiento o la apatía del público. Ahí es donde se plantea el segundo problema para el periodismo: el contraste de las fuentes o la necesidad de la emisión de la exclusiva. ¿Cuándo es una noticia importante o constituye un cambio relevante en la realidad? ¿Cuándo se puede considerar una fuente lo suficientemente fiable como para no dudar de que, en este caso, la elección del gobierno es acertada? La información tiene escasa relevancia si va a ahondar en los mismos engaños, si va a ser un instrumento en manos de quienes quieren manipular la realidad. Janine se siente utilizada cuando llega el final de la película y se da cuenta de que en realidad no cumple con su trabajo escribiendo la entrevista. No habrá hechos verificables con ninguna información, puesto que ningún periodista podrá tener acceso a nada. La noticia termina por convertirse en cuestión de fe en los dictados del senador Irving, unívocamente unidos a los hechos.

Finalmente, Janine Roth no escribe el artículo. En las manos del periodista está eludir la información recibida o darle la mayor importancia. Y a pesar de que no suele depender tan sólo de una persona, asusta pensar la cantidad de datos que dependen de la filtración de los medios para llegar a la luz. Depende tan sólo de la elección de unos pocos (y también de su moralidad y de la solvencia de su información) determinar la falta de importancia, el engaño o lo innecesario de un tema para que no se sepa nada sobre él.

Éste es el análisis periodístico del film con todas las implicaciones que se desarrollan en él. Recomiendo encarecidamente la película a aquellos interesados en la desesperanza y esperanza estudiantil, la hipocresía más cruda en política desarrollada por un brillante Tom Cruise y sus trajines con el mundo periodístico de manos de Meryl Streep, así como también las razones que pueden mover a un profesor a cumplir bien su trabajo; un Robert Redford que reniega de los corderos que guían desde retaguardia a tales leones. Aquellos que cuando desde retaguardia ven estallar a uno de los suyos se les ocurre decir: 'Nos han arañado, pero nosotros hemos aprendido del error'.

CONTACT

2008-12-14T13:30:00.012+01:00

MICROFICHA:

DIRECTOR: Robert Zemeckis.
INTÉRPRETES: Jodie Foster, Matthew McConaughey, James Woods, John Hurt, Tom Skerrit Lowe, Angela Bassett, Helen Hunt
MÚSICA: Banda sonora original de Alan Silvestri.
IDIOMA ORIGINAL: Inglés (americano).
GUIÓN: James V. Hart, Michael Coldenberg.

FECHA DE PRESENTACIÓN: 11 de Julio de 1997 (en EEUU).

DURACIÓN: 153 minutos.

ADAPTADO DE LA NOVELA HOMÓNIMA DE CARL SAGAN.

... Y, SI SÓLO ESTAMOS NOSOTROS... Cualquiera diría que el tema "¿Estamos Solos en el Universo?" está tan gastado que nadie se acercaría a él (al menos, desde el punto de vista científico) si quisiera ganar dinero. La gente, si me preguntáis mi opinión, ya debe estar concienciada de que, probablemente, en alguna parte, tiene que haber vida, y tal vez inteligente. Que podamos contactar con ellos es, claro está, algo más peliagudo.

Sin embargo, cuando una auténtica obra de ciencia ficción expone una posibilidad plausible y bien explicada de contacto con una civilización alienígena, cuando esa obra misma es sofisticada y realista, cuando merece la pena verla tan sólo por lo bien trabajada y conseguida que está, sin dejar de ser interesante y sin perder de vista la personalidad de quienes la protagonizan... entonces podemos hablar seriamente de que estamos ante una obra maestra.

Contact es una pelicula que reúne todas esas características. Expone, desde un punto de vista científico, "cómo" podría producirse un contacto con los miembros de una civilización alienígena. Diserta, según varias opiniones filosóficas, acerca de la necesidad espiritual del ser humano, de la compatibilidad entre Ciencia y Fe y de la persecución de los sueños dorados de la Humanidad. Maravilla, como una buena película de ciencia ficción, por sus efectos especiales, sin dejar de lado en ningún momento a los personajes y a un guión definido, trabajado y fluido. La banda sonora también engancha, por cierto.

No puedo contar mucho de la película en sí, porque os la reventaría; casi todo en ella es tan extraodinario que merece la pena verse. Por otro lado, reconozco que la naturalidad con la que se aborda este tema es parte de dicho carácter extraorinario. Es cierto que la película puede parecer algo aburrida y frustrante al principio (detalle interesante, por cierto, pues cansancio y frustración es lo que muchos sienten en la piel de la atormentada Dra. Arroway, la protagonista, obsesionada en su búsqueda de vida inteligente y condenada al "ostracismo" intelectual por ello).

Como no podía ser menos, tengo que señalar a tres personas como los progenitores de esta película, mi favorita indiscutible de todos los tiempos. Robert Zemeckis, que supo atenerse al guión y a la novela original; Jodie Foster, que, sin ser bellísima, sabe representar a Ellianor Arroway mejor que nadie en mucho, mucho tiempo; y Carl Sagan, un genio para muchos, un visionario para otros, un loco para otros tantos, que se atrevió a soñar un auténtico contacto y a escribir una novela de categoría científica y casi completamente real.

Notas a pie de página, como el presidente Bill Clinton, las diferencias entre la película y la novela, la presencia de incrédulos, aprovechados y fanáticos, las relaciones internacionales... todo a la vez, todo simultáneamente, confluyen magistralmente para dotar a la película de un espíritu único y, por desgracia, irrepetible.

... ¡CUÁNTO ESPACIO DESAPROVECHADO! Esta es la película sin defectos, en mi opinión. Siempre que veo un filme, especialmente de ciencia ficción, lo comparo con este. Y mira que merece la pena.

VEREDICTO: La mejor película que recuerdo haber visto hasta hoy. Me siento emocionado, sobrecogido y esperanzado (todo a la vez) cada vez que la veo. Un problema clave: es extremadamente frustrante, si bien la frustración es una emoción habitual en el científico... además de que tal vez no sea para todos los públicos. Un punto fuerte clave: ¡Ciencia Ficción! ¡De verdad! ¡Nada de efectos especiales porque sí, nada de chorradas inexplicables! ¡Uauh! Resumen: Por el amor de Dios, ¡ES MI PELÍCULA FAVORITA! No sólo me gusta la trama, sino que es refrescante y me gusta repetirla y repetirla. Es... dulce, inspiradora, emocionante. Perfecta.

Conjura en Madrid

2008-11-29T22:57:00.003+01:00

Título:Conjura en Madrid.
Autor: José Calvo Poyato.
Año: 2003.
Plaza edición: BARCELONA
Colección: BEST SELLER DEBOLSILLO.
ISBN: 9788497930550

-La obra.

Hacía tiempo que no leía una novela histórica, va en contra de mis principios, sobretodo si uno de los personajes es Felipe V, primer monarca Borbón, pero como se suele decir: un enemigo es más fácil de derrotar si has tenido la paciencia de conocerlo.

Al margen de esta paranoia personal fuera de tiempo y de lugar, nos encontramos a principios del siglo XVIII, con un país mermado por la guerra de Sucesión, reconocida como una auténtica guerra mundial por algunos historiadores, aunque se tratara de una guerra continental. En este contexto, el recién llegado al trono como nuevo rey de España, nieto de Luís XIV, se encuentra con la retirada de las tropas francesas que apoyaban la causa del ejército real contra el archiduque Carlos de Austria y la angustia de una guerra con grandes aspiraciones a la derrota.

Se viven momentos realmente intrigantes y de descontrol narrados muy detalladamente por parte del autor, como una presentación de la débil personalidad de los monarcas y de una corte acostumbrada a reaccionar a destiempo, cuyo mayor problema no es solo el mantenimiento de una causa imposible, sino también una conjura de altos vuelos capaz de sacudir los cimientos de la monarquía hispánica, que pondrá de manifiesto la debilidad de la embrionaria dinastía.

Es precisamente la conjura el que elemento básico de la obra, el hilo conductor que entremezcla todos los capítulos que se desarrollan como historias paralelas y protagonizados por personajes aislados, en cada una de ellas, que finalmente acabaran por juntarse.

Este es el caso del conde de Cantillana, experimentado coronel que conoció la agonía de los tercios españoles destacados en Flandes bajo la bandera del “Hechizado” y que, al principio de la novela, se encuentra combatiendo contra los austracistas en el frente de Cataluña, donde recibirá un mensaje que le hará emprender un viaje hasta Madrid; viaje que será narrado por el autor exhaustivamente.

Otro personaje preponderante, es la princesa de Ursinos, camarera mayor de su majestad la reina Luisa Gabriela de Saboya, que tendrá un papel fundamental dentro de esta historia de ritmo intrépido, presentándose como el principal apoyo de la soberana.

Como he mencionado antes, cada uno de los capítulos es una historia aislada de una serie de personajes que acabaran por mezclarse, una estructura que mantendrá la intriga casi hasta el final, un final, que a fin de cuentas, resulta esperado.

Quizás fue lo que me decepcionó junto con la omisión de ciertas acciones contra los conjurados, que aunque no resultan imprescindibles, habrían hecho de esta novela una de las mejores y pocas que me he atrevido a leer.

-El autor, José Calvo Poyato.

Doctor en Historia, es autor de 28 libros y de un centenar de artículos dedicados fundamentalmente al estudio del tránsito del siglo XVII al XVIII, en la monarquía hispánica. Entre sus libros están 'La Guerra de Sucesión en Andalucía', 'De los Austrias a los Borbones', 'Felipe IV y el ocaso de un imperio', y 'Carlos II el hechizado y su época'

Grandes Esperanzas

2008-11-28T12:57:00.014+01:00

DEL PRODUCTO:

TÍTULO: Grandes Esperanzas.
EN EL IDIOMA ORIGINAL: Great Expectations.
AUTOR: Charles Dickens.
FECHAS
DE LA PRIMERA PUBLICACIÓN: de 1860 a 1861, en fascículos coleccionables; en 1861, tres tomos definitivos
DE LA EDICIÓN DE LA COLECCIÓN ACTUAL: 1998.
EDITORIAL: Primero Chapman & Hall, hoy en día Penguin, colección Penguin Classics.
TRADUCCIÓN: Ninguna (leído en Inglés).
NÚMERO DE PÁGINAS: 443.

ZOOM:
GÉNERO: Novela.
ESTILO:Memorias en primera persona.
TEMÁTICA

GENERAL: Miseria, injusticia, personalidad, arribismo, clases sociales, maltrato, infancia, juventud, prejuicios, Inglaterra victoriana, obsesiones, crítica social.
CONCRETA: Orfandad, ley y justicia en la Inglaterra victoriana, agradecimiento, prisiones, abogacía en la Inglaterra victoriana, amistad entre clases, honestidad y deseos, ilusiones, desengaños, dinero en la Inglaterra victoriana, venganzas, sensibilidad, comercio en la Inglaterra Victoriana.
CORRIENTE E INFLUENCIAS: Realismo inglés, romanticismo.

DEL AUTOR. No creo que no sepáis nada de Charles Dickens, ¿verdad? Si no lo sabéis, salid de la cueva en la que habéis metido vuestros gustos literarios toda vuestra vida e investigad un poco. Aquí, un breve resumencito al respecto.

Charles John Huffam Dickens nació el 7 de febrero de 1812 en Porstmouth, Inglaterra, murió el 9 de junio de 1870 en su casa de Higham (Gad's Hill), en Kent, también Inglaterra, y, entre fecha y fecha, hizo cosas realmente interesantes. Por ejemplo, trabajó en un almacén de betún para ayudar a pagar las deudas de la familia cuando era un niño, trabajó en un despacho de abogados en un puesto de baja jerarquía algún tiempo después, se dedicó a escribir las sentencias del juzgado a los diecisiete años, se convirtió en periodista político en el Morning Chronicle y, eventualmente, empezó a escribir por fascículos publicados en periódicos bajo el pseudónimo de Boz, con cierto éxito. Con el tiempo, escribiría una serie muy notable de novelas y actos teatrales que se publicarían durante toda su vida y hasta hoy.

Su conocimiento de la sociedad en la que vivía y de la conducta de cuantos trataba le fueron dando un cierto prestigio como periodista, pero él se centraría más en su faceta como escritor, con un incuestionable éxito. Casado con la hija del editor del Evening Chronicle, Catherine Thompson Hogart, tuvo diez hijos; desde sus residencias en Bloomsbury y Gad's Hill, escribió durante toda su vida, tuvo amistades con actrices y personalidades, siguió publicando en periódicos, tuvo un cuervo como mascota y, diez años después de su separación, salió incólume de un accidente de tren que cercenó su carrera literaria, que casi frenó en seco tras escribir su última obra conclusa, Our Mutual Friend, y terminó con su salud. A los cincuenta y ocho años (cinco años después del accidente que, a todas vistas, le había causado un daño más profundo del meramente físico) murió en Gad's Hill.

En el Rincón de los Poetas de la Abadía de Westminster, donde algunos de los personajes más importantes de la historia inglesa descansan y son recordados, la lápida de Charles Dickens dice: "He was a sympathiser to the poor, the suffering, and the oppressed; and by his death, one of England's greatest writers is lost to the world." ("Era un amigo de los pobres, los que sufren y los oprimidos; y, a causa de su muerte, uno de los mejores escritores de Inglaterra se ha perdido para este mundo.") Sólo existe una estatua del autor, en el Parque Clark de Philadelphia (Pensilvania, EEUU), puesto que el autor pidió que no se levantara monumento alguno en su honor. Son dos detalles que explican bien la vida de este escritor, conocido por su prosa florida y maravillosamente culta, casi poética... que, en mi opinión, nunca morirá. Ya es más que un clásico, es uno de los hitos de la historia literaria de nuestra era.

DEL PRODUCTO. Great Expectations es un libro de Dickens. Dicho esto, podemos esperarnos muchas cosas: un niño, mucha injusticia, el incoherente mundo inglés del siglo diecinueve, la terrible pobreza, la suciedad y brillantez de Londres, la capital del mundo, el maltrato, los golpes de suerte fortuitos... la literatura de Dickens se mueve en historias con leit motivs claves y algo zumbones que, sin embargo, dan a la obra un sello incuestionable. Está escrito (no es una novedad) en forma de autobiografía (y, de hecho, contiene ciertos elementos autobiográficos, como tantas otras cosas, del autor); en ocasiones, es tan fácil sentirse identificado con el torturado protagonista que te deprime, el librito de marras. En fin. Gajes de leer la obra de un genio como Charles.

En el libro, que versa sobre el mundo que padece y sufre el pequeño Philip Pirrip desde su tierna infancia, en compañía de una hermana tiránica y su noble y cariñoso marido, Joe Gargery, hasta su temprana madurez, mediada por momentos de extrema miseria, moral y económica, y por súbitos golpes de suerte. Obsesión casi infantil por una bellísima dama, pena por lo dejado atrás en la forja de Joe, su protector, autocompasión por su escasa satisfacción con el mundo que le ha tocado vivir (en momentos de victoria y de derrota), todo ello con la extraña historia de un protector que prefiere permanecer oculto a toda costa. Convictos, abogados, Londres, un herrero, un secretario con lo que, a todas vistas, es una doble personalidad, una tétrica anciana que odia a los hombres, una oscura historia que conecta crímenes de sangre, secretos profesionales, fortunas personales y varias sofisticadas familias inglesas que no se llevan muy bien. Great Expectations contrapone los logros y las luchas de varios protagonistas en su búsqueda de una superior posición social o de un mayor dominio de la situación en la que se encuentran frente a los que se sienten satisfechos con lo que tienen; en ese sentido, es una historia de superación o de arribismo social frente al conformismo o el mundo cotidiano y feliz de quienes viven al día. La comparación entre su amigo Joe, y Jaggers, el abogado, podría representar un punto de partida y una meta para el joven Philip Pirrip, nuestro protagonista, quien, a raíz de un enfermizo amor por una mujer inalcanzable, decide convertirse en un caballero a toda costa, aún teniendo que abandonar al herrero que desea adiestrarle como aprendiz, Joe, y a su amiga del alma, Biddy Wopsle.

A lo largo de toda la historia, Pip busca (infeliz, miserable, triste, pero decidido) una forma de alcanzar ese deseado estatus social que le permita mejorar su posición. Por no entrar más en detalles, el chico parte de un lamentable encontronazo con un preso huído de una de las "cárceles flotantes" (los pecios) que parten hacia Nueva Gales del Sur, la colonia penal más grande de todos los tiempos (hoy conocida como Australia), y va pasado por eventos puntuales que desembocan en su transformación, durante la que no deja de reconcomer su conciencia el hecho de que desprecia lo que es Joe, la persona más amable y dulce, virtuosa y sencilla, de todas las que conoce. Tarde, pero al menos no demasiado tarde, se dará cuenta de lo que Joe es para él; lo más parecido a un padre o un hermano que tendrá jamás, áun a pesar de sus escasas luces y su timidez.

Ese equilibrio entre ambición y nostalgia es una de las grandes batallas de la historia; hay otras tramas, pero son menos emocionales, y no se ven venir a lo largo de la historia, con lo que no las contaré.

VEREDICTO. Sobresaliente obra de la literatura inglesa. Suave y sutil en sus comienzos, algo brusca en sus momentos álgidos; lenta durante su desarrollo, pero muy correcta durante las diferentes etapas de ese desarrollo, a pesar de su lentitud. Un problema clave: el final es mejorable; el mismo autor lo cambió en su versión final, pero ninguno de los dos me gusta, si es que he de dar mi opinión, además de que, en ciertos momentos, Dickens puede ser deprimente. Un punto fuerte clave: la trama es consistente, pero a un tiempo etérea; si fuera una novela policíaca, no del estilo gótico romántico que escribía Charles Dickens, habría suspense. Resumen: tras leer Grandes Esperanzas, he decidido que no quiero vivir en el siglo diecinueve inglés, pero también tengo claro que las personas que, según el insigne autor, vivían en ese Londres destartalado, son absolutamente notables. Leedlo. Pero sólo si tenéis tiempo y gusto por la literatura de hoy y de siempre.

Harold y Maude

2008-11-26T18:17:00.010+01:00

La verdad, la igualdad y la belleza quizá ya no sean las aspiraciones máximas de quien ha rebasado y ya ha pasado por el estado de lo natural.

Son estos criterios, quizá extravagantes o quizá el producto de una mente lúcida, ardiente de deseo y pasión dentro de los recovecos de su alma desgarrada, utópica y absurda; los productores de la realidad más allá de la normalidad atrayente al cúmulo de lógicas irrefutables y, a mi juicio, tan determinantes de tantas vidas y- por la misma razón- de tantas producciónes cinematográficas.

Empezemos pues.

Pero antes, dejémonos guiar en la reminiscencia del hedor que ha dejado estos posos por doquier. De este creador llamado Hal Ashby, en el contexto del conjunto de componentes de los del Nuevo Hollywood. Un director que murió el mismo año que me vio nacer, 1.988, con un cáncer pancreático cada vez más extendido a causa de su falta de cariño propio. Yo les llevaré hasta lo más hondo que sea capaz dentro de esta historia. Y como no es una historia común... tampoco lo ha de ser su reflejo.

Harold y Maude es una historia de amor por encima de todo. Puede que me sienta aburrido por este tipo de afirmaciones. El caso es que es el amor el que da sentido a todo el cúmulo de acciones sorprendentemente impredecibles que se prolongan a lo largo de toda la película. Y sin embargo es un amor tan atípico. Tan poco pasional. Un niño adolescente y una vieja de ochenta años que se dan un beso en unos labios tan extraños para sí. No les importa el mundo a su alrededor, y es que de hecho importa bien poco en la obra- como se percibe en el modo de conducir por la carretera de Maude y de Harold- o tanto como le debía de importar a Ashby; un estadounidense de familia mormón que tuvo que sufrir la separación de sus padres y el suicidio del mismo padre y su expulsión posterior del instituto.

Harold es un chico rico que parece vivir de lo que cae de los árboles, la apariencia aristocrática de su hogar y los gastos que puede permitirse siempre, así lo demuestran. Al principio quizá parece un snob enloquecido, a causa de la sobreprotección y exceso de abundancia que está a su disposición. Las conversaciones con la única mujer que se atrevería a saludar a un ser tan oscuro- enamorado de la muerte- como éste, quizá abren sus ojos.

Y es que Maude, quien parece no escuchar nunca porque está constantemente hablando, invita a la vida, al disfrute del segundo y a abrir tu corazón al mundo sin decirlo con palabras siquiera. Es curioso que una viejecita pueda parecer tan asombrosamente jovial y arranque poco a poco del semblante de un introvertido muchacho- como se aprecia en el cambio del rostro del tímido protagonista- una sonrisa o desafinados acordes de banjo.

"Hay mil formas de vivir. Tú sabes que las hay." Una traducción mía del canto de Cat Stevens "there's a million things to be. You know that there are". La música, de la mano del cantautor antes nombrado, coge la mano a la historia y le da forma y color. El color de un girasol, de una margarita. Encuadra la existencia y no la convierte en insignificante al acabar en una tragédie predecible durante todo el tiempo, pero falta a los ojos y a la temporalidad, donde los días y las noches parecen cosas que no importan a nadie o no existen. De hecho, cuando tengáis la oportunidad de ver esta obra; por favor, contad los días y las noches.

¿Y qué hay de aquellos a los que no importa el amor, ajenos a tal prodigio? Hal consigue provocarnos arcadas ante aquellos que sienten indiferencia o repudio hacia la unión y nos pone de su parte. Parece tan evidente la claridad de sus motivos, la justicia de tan deseada unión. Los ejemplos serían un cura, que con su cara de poseso frenético manifiesta sus deseos de vomitar; el tío de Harold, héroe militar, que saluda a la bandera como puede porque no tiene el brazo derecho, belicista y reflejo crítico del patriotismo viejo y fuera de tiempo. Aunque no me atrevería a decir que lo que se propone el director es afirmar que lo que no entiende nadie guarda algo en su interior. Sería demasiado vulgar para la irreflenable paradoja de la lógica del amor.

Así que os recomiendo esta película, que parece no ocurrir en la tierra y que habla de la vida misma de los que la poblamos.

MICROFICHA:

DIRECTOR: Hal Ashby.

INTÉRPRETES: Ruth Gordon, Bud Cort, Vivian Pickles, Eric Christmas, Cyril Cusack, Ellen Geer, G. Wood.

MÚSICA: Cat Stevens.

IDIOMA ORIGINAL: Inglés (americano).

GUIÓN: Colin Higgins.

FECHA DE PRESENTACIÓN: 20 de diciembre de 1971 (en Estados Unidos).

DURACIÓN: 91 minutos.

Hacedor de Estrellas

2008-11-21T23:36:00.015+01:00

DEL PRODUCTO:

TÍTULO: Hacedor de Estrellas
EN EL IDIOMA ORIGINAL: Star Maker
AUTOR: Olaf STAPLEDON (Inglaterra)
FECHAS
DE LA PRIMERA PUBLICACIÓN: septiembre de 1937
DE LA PRIMERA EDICIÓN DE LA COLECCIÓN ACTUAL: 2008 (Barcelona)
EDITORIAL: Clásicos Minotauro
TRADUCCIÓN: Gregorio Lemos
NÚMERO DE PÁGINAS: 293 (con apéndices e índice)
PRÓLOGO: Jorge Luis Borges (a partir de la edición de 1965).

ZOOM:

GÉNERO: Ciencia Ficción, Fantasía, Filosofía
ESTILO: Narración en primera persona, onírico
TEMÁTICA
GENERAL: Cosmología, cosmogonía, divinidad, ¿transhumanismo?, inteligencias alienígenas, civilizaciones alienígenas, biología alienígena, evolución psicológica, especulación cósmica (e "hipercósmica"), telepatía, espiritualidad...
CONCRETA: Megaestructuras, "viaje astral", contacto alienígena, telepatía, astronomía, sociedades más allá del Nivel T3 en la escala Kardashev, simbiosis, pensamiento alienígena, evolucionismo social, eugenesia...
CORRIENTE E INFLUENCIAS: Las del propio autor, aunque muchos escritores posteriores (desde Sir Arthur C. Clarke hasta Doris Lessing, pasando por H.G. Wells) afirmarán haberse visto fuertemente influenciados por este mismo libro y otros del autor.

DEL AUTOR:

Olaf Stapledon fue un inglés que, tras estudiar Historia Moderna en Oxford, enseñar en Manchester como profesor de la Grammar School y trabajar en las oficinas de correo de Liverpool y Port Said, sirvió en el Ejército Inglés durante la Primera Guerra Mundial (como conductor de ambulancias en Francia y Bélgica). Se casó, obtuvo un doctorado en filosofía y escribió un tratado titulado "Modern Theory of Ethics" (posiblemente aburridísimo para nosotros, puesto que ni siquiera esta al día). Y, un buen día, empezó a escribir ficción.

Casi todas sus obras tienen el mismo espíritu relativamente presente siempre en la trama y el fondo de las novelas de Stapledon; según Wikipedia, y cito: "A lo largo de su vida, trabajó con otros estilos literarios [aparte de las novelas], escribiendo diversos libros sobre temas políticos y éticos, en los cuales abogó por el crecimiento de los "valores espirituales", que definió como los valores expresivos de un anhelo por un estado de mayor conciencia en cada individuo, dentro de un contexto más amplio (la personalidad de una comunidad)", valoración que comparto plenamente, porque también las novelas de este hombre tienen como centro el crecimiento espiritual. Curiosamente, no dice nada positivo de las religiones (él se declaraba agnóstico, de hecho), sólo del hecho y acto de cultivar la propia identidad y el espíritu "mortal" (del individuo) e "inmortal" (de la comunidad) para desarrollar un mayor entendimiento, un disfrute más intenso y una vivencia más completa y extensa del yo.

Es muy conocido y respetado entre muchos autores de la ciencia ficción de la Edad de Oro (Clarke es uno de ellos), aunque no es un escritor realmente científico, ya que la profundidad técnica de sus obras es algo pobre, sino filosófico y social. Su mayor baza como escritor (y todo el mundo se lo reconoce sin reservas) es su extraordinaria imaginación, que alcanza su culmen en esta novela; hablaremos luego de esto. Simplemente, digamos que es el creador pionero de varios conceptos de la ciencia ficción que nadie había mencionado antes, como las megaestructuras estelares que, con el tiempo, serían llamadas Esferas Dyson.

Especialmente importante es su implicación en el mundo que le rodeaba; especialmente sensible ante las depredaciones de la Alemania nazi (cuya caída llegó a vivir), imprimió un carácter levemente maniqueísta en su obra, en la que abogaba por dos facciones que se enfrentaban siempre, en todos los campos de batalla, y en los que la lucha entre "democracias armónicas" y "tiranos fanáticos" tienen una huella terriblemente similar a la que deja la Segunda Guerra Mundial. Con un claro Nosotros y Ellos, el autor pierde por el camino la posibilidad de una multiplicidad de bandos, pero eso queda para el lector y el filósofo, pues resulta atractivo pensar en un universo polarizado (y creer, ingenuamente, en la posibilidad de que estás en el lado adecuado) y tiene que simplificar muchísimo las cosas el tener claro que hay cosas que están Bien y cosas que están Mal, respectivamente.

En todo caso, es lícito darle un cierto margen al autor. Para mi gusto, es muy bueno en lo que hace, y lo sabe hacer bien. Me refiero a escribir ciencia ficción, claro...

DEL LIBRO:

Hacedor de Estrellas puede ser un título ominoso, e incluso excesivo, para aquel que no haya leído nada de Stapledon. Yo no le había leído ni una sóla vez, en toda mi vida. Ahora, sé que es uno de los mejores escritores de ciencia ficción de todos los tiempos (según Wikipedia, varios escritores de primerísima línea...) y un literato que no pasaría de lo "mediocre" de no ser porque disfruto leyendo lo que escribe.

Hay una sincera problemática, que él mismo reconoce sin dificultades en su "prefacio", y es que reconoce, y vuelvo a citar, que: "De acuerdo con las normas de la novela tradicional, es un libro notablemente malo. En verdad, no es ni siquiera es una novela." Sincero.

Es verdad que es un libro escrito con una gracia bastante relativa. No es que sea un espeso tratado-mantequilla de filosofía o un duro ladrillo científico, es más bien algo intermedio y mezclado con una imaginación orientada a lo mesiánico, pero con una serie de puntos positivos que le dan una gran vitalidad, una lectura agradable (aunque no ligera) y que se deja disfrutar y paladear.

Tiene defectos, no obstante, y defectos graves. El narrador, un sencillo y anónimo hombre inglés que se ve envuelto bruscamente (e imprevistamente) en una forma de viaje telepático que le saca de su pueblecito sin nombre, tiene la desagradable manía de repetir algunos mensajes de manera constante. Por ejemplo, reconoce varias veces que todo lo que ha experimentado durante su viaje era tan manifiestamente superior a lo que puede expresar como un simple ser humano que no puede relatarlo con exactitud u objetividad, y que los idiomas humanos no tienen palabras para explicar lo que experimenta. Además, le da muchas vueltas a su comunión no-física con otros exploradores telepáticos (provenientes de otros muchos mundos y especies), a su capacidad de viajar "a través del tiempo y del espacio", a las dificultades en el contacto con civilizaciones que se han desarrollado de forma completamente diferente a lo que pueden comprender los exploradores... Puede ser algo pesado.

Por supuesto, el mayor problema es el que los mayores admiradores del autor se apresuran a recordar y advertir al neófito de la obra stapletiana; Jorge Luis Borges avisa, en un notable prólogo, la difícil literatura que maneja el filósofo, que se interna en berenjenales tan abstractos que un lector poco dedicado no dudará en dejar por imposibles para pasar a las descripciones más concretas, sin que éstas dejen de mostrar la árida objetividad del naturalista por formación, sin adjetivos calificativos que dejen traslucir más que una sorda admiración o un mudo terror ante lo que el narrador observa en su viaje.

¿Por qué recomendarlo, entonces, si es tan rematadamente malo? Bueno, me concentro en lo malo porque, para mi, que tengo una forma de escribir rematadamente mala en comparación con la de O. Stapleton, incluso cuando se lee a este autor tras una traducción al español, la forma no es tan importante como el contenido; por ello, creo que es justo que vosotros, que leéis esto, sepáis a qué os enfrentaréis si decidís leerlo. Por supuesto, lo recomiendo. Y, de nuevo, ¿por qué?

Lo que distingue a un buen escritor de un escritor de best-sellers (salvo, claro está, en las escasas ocasiones en las que un buen escritor llega a vender un libro como un best-seller) es la creatividad, el dar origen a cosas realmente nuevas. Hoy en día, es un poco difícil crear nuevos conceptos con la literatura de ciencia ficción propiamente dicha, porque hay una cantidad suficiente de conocimientos científicos como para que se siga escribiendo este tipo de literatura, pero los temas de la ciencia ficción (space opera, ciencia ficción dura, fantasía épica, cyberpunk...) ya están muy tratados, demasiado desarrollados, excesivamente manoseados.

Olaf, no obstante, escribió su obra cuando Verne era de lo poco que podía considerarse "ciencia ficción"; hablamos del segundo cuarto del siglo veinte. Entonces, el género trataba aún de la energía atómica (subatómica, como la llama Stapleton en Hacedor de Estrellas), los rayos de la muerte, los oficiales haciendo cálculos a mano en sus naves espaciales, ¡no hay mención alguna a la ecología!... el desarrollo tecnológico y social superó con mucho las expectativas de los escritores de la ciencia ficción más "temprana", pero sus resultados no eran (no son), ni de cerca, tan ambiciosos como les habría gustado. No hay mundos artificiales, no hay ciudades flotantes, no hay paz universal. Al menos, aún.

Por todo lo antedicho, creo firmemente que Olaf Stapleton es un hombre importante en el desarrollo de la ciencia ficción, sobre todo gracias a este libro, puesto que introduce conversaciones serias sobre muchos temas que, debidamente tratados y corregidos por lo que los científicos han ido aprendiendo, han cosechado frutos excelsos, a saber, la xenobiología, las aplicaciones prácticas de los poderes psíquicos, el desarrollo de la selección artificial mediante eugenesia (con el tiempo, sustituida por temas más edulcorados como la manipulación genética) y formas tempranas de ingeniería estelar y planetaria (literalmente, Stapleton MUEVE ESTRELLAS, y planetas enteros son convertidos en naves interestelares de exploración e intercambio, e incluso de guerra y exterminio), entre otros, que podrían caer con facilidad tanto en la casilla de "sueños irrealizables" como en la de "posibilidad plausible". Esto puede ser algo pretencioso para quienes hemos crecido con Asimov, para el que la miniaturización de naves del tamaño de ciudades en un tamaño similar al de un yate deportivo era un logro más que notable; pero no es lo más grande de esta novela.

Todo esto tiene, en realidad, una importancia relativa. Hablando desde el desconcertado y fascinado punto de vista descarnado en que se convierte el protagonista, el primero de los exploradores, se contempla la auténtica trama de la historia: la creación de entidades psicológicamente conjuntas. Se ha hablado mucho sobre esto en la ciencia ficción, particularmente a raíz de la maravillosa historia de El Juego de Ender y su secuela, La Voz de los Muertos (ambas, novelas que recomiendo muy encarecidamente) o los "chinches" de Heinlein (de su novela, Starship Troopers, muy diferente de la infame película que robó su historia), que actúan como "mentes enjambre", en las que los individuos son poco más que células descerebradas. Stapleton habla, de hecho, de civilizaciones insectoides en las que los individuos son ciudades enteras, "hormigueros" o "colmenas" con culturas y organizaciones sociales formadas por varias de estas ciudadelas, que comprenden millones de cuerpos individuales. Hay ejemplos de mentes comunales naturales aún más extravagantes, pero no diré más de ellas.

Lo curioso del argumento es que, a lo largo del desarrollo de las civilizaciones que nuestro narrador describe, todas las especies de todos los mundos tienden a pasar por una serie de crisis similares a las que enfrentaba el ser humano, hasta que ocurría el desastre (la extinción) o el milagro. De forma similar a una iluminación progresiva, los mundos "despiertos" nacen de este triunfo continuado sobre las crisis, haciendo que todas las mentes de los individuos que habitan un planeta participen de una consciencia mundial en la que conservan sus identidades individuales. Los planetas despiertos siguen desarrollándose en otro sentido: forman agrupaciones entre ellos o se disponen a eliminar a los que no piensan como ellos. Tras guerras intermundanas de enorme violencia, el conflicto termina en favor de quienes intentan la unión telepática de los mundos, que culminará con toda una red de pensamiento a escala galáctica. Y así, sucesivamente. No me preguntéis más.

Las terribles conclusiones a las que el filósofo llega son muy duras, pero es que las preguntas tampoco son precisamente de baja cuna: ¿existe un Dios?, ¿podemos participar de Su Ser?, ¿qué es la conciencia?, ¿qué es lo correcto y lo incorrecto?, ¿sirve de algo lo que intentamos?, ¿desapareceremos sin remedio? Y, así sucesivamente. El Hacedor de Estrellas (Dios como creador y artista de todo lo que existe) es la meta final de este viaje que tiene poco de autodescubrimiento, pero mucho (tal vez demasiado) de cosmogonía y mito universal, aunque carente de todo tinte religioso.

Lo que me desagrada de esta novela no es su general vanidad y voluntariosa (a veces, gratuita) necesidad de llevarlo todo a un nuevo nivel, sino la extraña aceptación y resignación (muy cristianas) con la que las especies "pacifistas" de las que habla Stapleton en Hacedor de Estrellas aceptan su caída y final conforme el cosmos creado va degenerando y perdiendo toda su energía física (curioso pensar que, a pesar de lo relativamente primitivo del pensamiento astrofísico al respecto en su época, Stapleton dio con una serie de explicaciones bastante ingeniosas, aunque algo peregrinas, para la degeneración cósmica de nuestro universo), ante la atenta e inactiva mirada del Hacedor. Todo se vuelve muy espiritual, muy profundo, pero no da auténticas soluciones a las crisis del mundo en el que vivía, a la sombra de una guerra mundial. Tan sólo un consejo para la Humanidad, que podría resumirse en "por ahí fuera, las cosas van a ponerse interesantes; ¿vamos a permitirnos el lujo de autoexterminarnos y perdérnoslo?"; no es que desprecie el consejo, pero he visto reflexiones más convincentes.

Por otro lado, Stapleton resuelve sus propios enigmas, que va colgando a lo largo de su historia como focos, con autorrespuestas bastante extravagantes o muy ingeniosas, pero emplea más la imaginación que la ciencia para resolverlos, y la filosofía más que ambas. No es que me queje, muchos escritores de ciencia ficción ya lo han hecho antes, aunque me sorprende y descoloca bastante encontrar algo así en un libro. Desde luego, era imposible hacerlo de cualquier otra forma, pero... en fin, esperaba algo diferente. No sé lo que esperaba, pero esto no. Y, aún y así, no me ha decepcionado; sólo me ha sorprendido.

Sin embargo, Hacedor de Estrellas es una novela extraordinaria (o un ensayo, o lo que queráis), tanto por su extraordinaria voluntad de trasladar a las estrellas las emociones y el pensamiento de un mundo que temblaba ante los ya cercanos pasos de ese cíclope llamado fascismo, como por su sorprendente trama argumental, su abierta visión del cosmos y su filosofía vital.

Desde el punto de vista de la ciencia ficción, bueno... Arthur C. Clarke diría de Hacedor de Estrellas: "Probablemente, la más poderosa obra de la imaginación de todos los tiempos". Los hay que dirán que, más que una novela, es una enorme paja mental escrita y aprisionada en las cubiertas duras de un librito negro. Bueno. A esos individuos, les recomiendo que no se dediquen a la filosofía, a la ciencia ficción o a respirar, ya que estamos. Que bastante CO2 hay ya en el aire.

VEREDICTO: Si os gusta la Ciencia Ficción y/o queréis probar algo diferente en vuestros hábitos literarios, coged este librito. Un problema clave: aboga por el diseño inteligente, aunque al diseño inteligente no le importe una mierda nuestra existencia. Un punto fuerte clave: es extraordinaria la forma en que el autor pone las cosas desde el punto de vista de especies alienígenas y sus civilizaciones. Resumen: Spore, Dios y Hacedor de estrellas; sólo me falta creer en uno de ellos para creerme la Teoría de Diseño Inteligente*; ¿cuál es?

OPINÓ: Javier López

*Pista: no va a ocurrir.

PULP FICTION

2008-11-15T02:22:00.012+01:00

TAL VEZ YO SEA LA TIRANÍA DE LOS HOMBRES MALOS... ¡Bienvenidos a nuestro Blog de crítica, que intentaremos mantener vivo con asiduidad a partir de ahora con un flujo constante y sonante de comentarios, críticas y opiniones sobre temas tan diversos como el cine, la literatura, la música o cualquier cosa que nos interese en ese momento. Básicamente, estamos aquí porque, a veces, encontramos cosas soprendentes y, a menudo, meritorias, que reciben menos atención de la que creemos que deberían tener. Por esto mismo, escribiremos sobre ellas.

En primer lugar, queríamos escribir sobre una película; como todos sabemos, Quentin Tarantino es un director de cine muy famoso, muy seguido y admirado e igualmente criticado, pero su Pulp Fiction es algo más que una película o una obra de arte. Es una expresión soterrada de sus opiniones, sus deseos, sus gustos y sus manías, que disfraza y confunde hábilmente.

Lo cual, por cierto, se aplica a cualquier obra de arte que encontréis. No me hagáis caso.

Sin embargo, también queríamos empezar con Tarantino (y, específicamente, por Pulp Fiction) porque su obra resulta grotesca, pero atractiva, desde el sanguinario y cruel punto de vista de sus guiones y de su trabajo de dirección (el punto de vista que, gracias a su talento, llega a las pantallas para dejarnos clavados en el sillón, a veces con ansias asesinas y a veces con ganas de ir al baño urgentemente).

Es sutil, y basto; es confuso, pero directo; puede ser tan coherente como un suelo de baldosas blancas y negras, de esas que simulan la disposición de casillas de un tablero de ajedrez, y a un tiempo tan impredecible como que te masacren mientras sales del baño, tan feliz. Tarantino sabe hacer eso. Carecerá de otras cosas, pero hay que concederle la habilidad de atraerte a su terreno, un terreno horrible en el que el caos, Dios y la suerte juegan a los dados, y casi nunca gana ninguno.

Así que, he aquí nuestro homenaje. Habrá mejores películas, mejores directores e incluso mejores personas, pero empezamos por aquí la labor crítica de nuestro blog. Por algo lleva el apellido de Tarantino, ¿no os parece?

(PD: Si alguien tiene intención de ver la película, por el amor de Zed, vedla antes de leer esta crítica... o nos detestaréis amargamente el resto de nuestros días.)

PULP FICTION

MICROFICHA:
DIRECTOR. Quentin Tarantino
INTÉRPRETES. John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Tim Roth, Amanda Plummer, Maria de Medeiros, Ving Rhames, Eric Stoltz, Rosanna Arquette, Christopher Walken.
IDIOMA ORIGINAL. Inglés (americano)
GUIÓN. Quentin Tarantino, Roger Avary.
FECHA DE PRESENTACIÓN: 23 de septiembre de 1994, Cannes.
DURACIÓN: 154 minutos.

TRABAJO DE DIRECCIÓN. Si la vida fuera la película, el director serían las escenas que escogeríamos para verla en nuestro recuerdo o nuestra imaginación. Acotamos las distancias, regulamos la altura y los movimientos. Así es como funciona para que un beso parezca un beso y no un roce estúpido y sin pasión. Para mí Quentin Tarantino es la clase de director que no necesita de helicópteros y humo para hacer sentir dolor, pasión, ira, miedo o suspense. Eso es lo que hace de él un magnífico director y de su Pulp Fiction una obra maestra.

La conversación entre Marsellus Wallace y Butch desde los hombros del primero se ve desde los ojos del primero durante todo el diálogo. Podemos ver a Bruce Willis completamente quieto, sin decir absolutamente nada y con una calma bastante inexpresiva, atontada o permisiva. Como público, la imagen consiguió centrarme en la mirada del silencio generado por la propia escena. ¿Quién eres, el mandante o el mandado? La contraposición de sentimientos, el misterio de oír pero no ver, de ver pero no oír se vuelve a repetir de una forma un poco más delicada en el monólogo del “reloj de la familia” o “el reloj ermitaño”, y creo que es el tono que caracteriza la mayor parte del film. Veamos, Mia pendiente de los videos de su casa desde una supuesta sala de control en la que ella es la única guardia de seguridad, los contrapicados en el momento álgido de tensión a la hora de disparar a Brett casi al inicio de la película o en el coche con el que llega el Señor Lobo a solucionar problemas. ¿Qué es ella?¿Paranoica o excéntrica? ¿Quiénes nosotros?¿Brett o los asesinos a sueldo? Nadie y todos encuentran su lugar en este tipo de presentaciones.

Una pieza más en este montaje sería la humanización de los personajes por métodos narrativos del cine. De hecho, nadie se libra de su plano de cuerpo entero- el plano genuinamente humano, después de todo- paralelo al suelo. Marsellus acaba así su misticismo cruzando una acera con el maletín que contiene los diamantes que se robarán en Reservoir dogs, Vincent termina sus días así frente al baño y Mia caminando al baño para “empolvarse la nariz”. No obstante, no quiero que parezca que el plano medio es un recurso clavado con profundidad en la dirección de este director. De hecho, la riqueza de planos es algo que acompaña constantemente a su forma de presentar la acción, sobre todo los rostros que la protagonizan: asesinando a Brett, el recepcionista que atrapa a Butch y a Marsellus, las tomas de los conductores dialogantes, triunfales después del trabajo, o a Vincent bajo los efectos de la heroína. El retrato de la vida y los desencuentros de forma más exagerada, de forma más auténtica, pues no hay ficción que pueda alcanzar la realidad en su cantidad de posibilidades o deformaciones.

Y es que todas las piezas encajan porque han sido encajadas con premeditación, como el curioso montaje de escenas entrelazadas. Diría que es más que un rompecabezas una historia. Quentin quiere que unas cosas vayan antes y otras después y quiere causar una sensación determinada. Puede que la línea sea más bien una intersección de sentimientos alterados por la acción ininterrumpida, constante, impredecible. Todos son actores de un drama en el que se combina la tragedia con el romance, el peligro y la salvación. La vida comienza con una aventura de los ladrones de restaurantes, de dos enamorados advenedizos que ni siquiera saben dónde se meten, sólo quieren probar; acaba (podemos decir que es un final para la película, no para la vida) con la tranquilidad que otorga la experiencia, esa especie de fe resucitada y la esperanza en algo más allá.

OPINÓ: Carlos Naval.

GUIÓN Y ARGUMENTO. ¿Cuántas veces he debido ver esta película? Ya ni lo recuerdo, pero puedo decir que han sido muchas y que todavía no he conseguido terminar de entenderla.

Esto es algo fundamental, nadie (y quiero decir nadie) te podrá decir que la ha entendido a la perfección con sólo verla una vez, porque, entonces, no sería una obra maestra, no tendría el argumento realmente extraño que tiene.

Es difícil saber cuándo empieza o cuando termina la película; en realidad, podría decirse que no hace ni una cosa ni otra. Se trata de un argumento dividido en una estructura episódica cuyo resultado es un magnífico desarrollo, bien definido pero con múltiples saltos en la acción, en cuyo seno se van entremezclando historias que desembocan en el mismo punto donde empieza el filme propiamente dicho: en la escena de la cafetería, desarrollada al principio y al final de la obra.

Este es un detalle importante, pues si somos un poco observadores repararemos en que la escena del final es la inicial, ya que Vincent y Jules aparecen con los bermudas y camisetas sentados en la cafetería "después" de que tuviera lugar el episodio en el que recuperan el maletín de Marsellus y Vincent, "después" de que se le disparara la pistola en el coche y "después" de la Situación Bonnie. Es, pues, el punto de inflexión de la película, pero sólo cuando ésta ya se ha desarrollado a su alrededor; mención aparte merece el episodio de la Historia del Reloj, que puede considerarse una prolongación de todas las demás hitorias. Pero, a pesar de que puede ser un poco confuso para el cinéfilo primerizo, para no descuartizar la película es recomendable no unir escenas para que éstas queden ordenadas cronológicamente. Sólo haría que la historia fuera pírricamente más comprensible.

Por todo ello, a continuación veréis una relación de las cuatro grandes historias de la película tal y como aparecen en la película; salvo por la ya mencionada escena del restaurante, que se explicará en último lugar.

Vincent Vega y la esposa de Marsellus Wallace: Vicent Vega, uno de los matones protagonistas, un "favorito" de su jefe. Mientras le da su encargo, en el bar en el que comienza este capítulo de la película, está claro que se aprecian (aunque nunca llegamos a oír la conversación que mantienen).

Antes de este capítulo, Vega y Jules aparecen hablando sobre el encargo que Marsellus le ha encomendado a Vega: tiene que hacerse cargo de Mia (esposa de Marsellus, su muy peligroso y poco razonable jefe) y de su entretenimiento durante una única noche. Ambos recurren alegremente a las drogas en este episodio, tanto para soltarse en su conversación como para progresar en la historia propiamente dicha, puesto que, tras una tranquila y seductora velada en un bonito restaurante con imitadores de personalidades del cine americano, ya en la residencia Wallace, Vincent sale del baño (tras intentar convencerse de que no quiere llegar a nada con la sra. Wallace) para encontrarse con Mia en el suelo del salón, con la cara manchada de espumarajos y sangre de su nariz; no creo que Vega sea consciente de ello, pero Mia se ha intentado esnifar la heroína que lleva el matón en su abrigo, creyendo que es cocaína. Desesperado, Vega mete la directa y, sin importarle mucho lo que éste le diga, va a casa de su camello de preferencia para buscar ayuda. Tras unos minutos de crisis nerviosa, angustia y confusión, Mia es salvada por muy poco. Entre ellos, se crea un acuerdo bastante firme y tácito de no revelar nada al celoso Marsellus.

Un par de detalles: Vega y Butch se cruzan en esa misma escena, con malos resultados, que germinarán y darán fruto algún tiempo después; a propósito de Butch, esta historia comienza con la entrevista que éste mantiene con Marsellus acerca de los sucesos que acaecerán en la historia del reloj; y, durante casi todo el episodio, Vega y Mia están colocados, sea con drogas fumadas, esnifadas o inyectadas.

La historia del reloj. Butch es un hombre orgulloso, y tal vez inmisericorde con sus enemigos; de manera que, cuando Marsellus Wallace le da un consejo que, según el jefe del hampa, "agradecerá", no puede imaginar hasta qué punto le perjudicará decirle "Notarás un pinchazo en la garganta... será el orgullo, que intenta joderte."

Este relato de un boxeador veterano, cuyos mejores momentos han pasado, comienza de hecho en la escena del bar ya mencionada, en su parlamento con Marsellus, quien le ofrece una gran cantidad de dinero a cambio de dejarse ganar en su última gran pelea. Butch acepta. Seguidamente, traza un plan con su representante, que ofrece a todos los corredores de apuestas un desafío que estos no rechazan, seguros de su victoria apostando al contrincante de Butch; al final, Butch machaca, literalmente, a su oponente, y, siguiendo su plan, huye en taxi de su apartamento (buena escena, por cierto, con la morbosa Esmarelda como conductora, por la que se entera de que su oponente está muerto) para reunirse con su pareja, una chica francoamericana llamada Fabienne, en un apartado Motel. Por desgracia, Fabienne ha olvidado la reliquia familiar más preciada de Butch, un reloj que poseyeron tres antepasados del boxeador, los tres soldados, que vieron tres guerras diferentes con él.

Enfurecido y rabioso, Butch corre a por el reloj, pero se encuentra con una semiautomática en su casa. Vincent Vega sale del baño mientras él tiene el arma en sus manos y aquí llega el momento de recoger los frutos mencionados antes.

Tras acribillar al matón de Marsellus, Butch limpia el arma y se marcha, casi feliz, de su apartamento. Ya está conduciendo para reunirse con Fabienne cuando descubre a un Marsellus transeúnte, al que trata de atropellar. Si bien no logra acabar con él y sufre un accidente al chocar con otro vehículo, Butch logra reducir a su perseguidor en una tienda de empeños, y se dispone a matarle cuando el dependiente le encañona y deja sin sentido. Tras esto, les lleva a la trastienda, donde él y un amigo suyo, Zed, cogen a Marsellus y comienzan a maltratarle y violarle, pero Butch, mientras sus captores están ocupados, logra soltarse y, aunque se plantea huir, se lo piensa mejor. Se da una de las escenas más divertidas de la película, mientras Butch registra la tienda en busca de armas; sus elecciones son marcadamente Tarantino-stile. Finalmente, vuelve a la trastienda, se deshace de uno de los hombres y deja que Marsellus se encargue del otro; esto le deja una cierta deuda por pagar a Marsellus, que sólo puede pagar dejando escapar a Butch, con la intención de alejarle a él y a lo que se convertirá en su "secreto" de Los Ángeles.

Butch, verdaderamente liberado y deseando huir, escapa con Fabienne en la Chopper de Zed, mientras le dice a su chica: "Zed está muerto, nena. Así está."

La Situación Bonnie. Tras masacrar a dos de los ex-socios de Marsellus en un lucrativo negocio, que parecían estar a punto de traicionar a su jefe, Jules y Vincent son tiroteados sin éxito por un tercero, que recibe varios disparos de ambos hombres; Jules, sorprendido por la increíble coincidencia que supone su supervivencia ante un arma disparada tan a bocajarro y tantas veces, lo interpreta como una intervención divina y afirma que va a dejar su "oficio".

Mientras van en coche discuten la naturaleza divina o mundana de lo sucedido junto al cuarto de los ex-socios de Marsellus, Marvin, el soplón que le ha avisado de las intenciones de sus compañeros; en un momento sorprendente, Vincent se vuelve con la pistola en la mano y le pregunta a Marvin qué opina... justo antes de pegarle un tiro en la cara, aparentemente por accidente. Jules, agitado y furibundo ante la perspectiva de llevar un coche completamente revestido de sangre por dentro, llama a un viejo amigo suyo que vive en las proximidades. Jimmy, el amigo de Jules, les acoge, pero su esposa llegará en cualquier momento y no sabe nada de su pasado criminal, así que no quiere ayudarles; sin embargo, Jules le pide paciencia, y dejan el coche en el garaje de la casa mientras llama a Marsellus, pidiéndole que envíe ayuda.

Marsellus envía al Señor Lobo.

Elegante, mordaz, brusco y brillante, Winston Wolf (sr. Lobo) da instrucciones precisas y rápidas a los dos asesinos a sueldo mientras comenta con Jimmy los detalles; al cabo de media hora, todos los problemas están resueltos, con el coche camuflado y limpio en un desguace de confianza, las ropas pringadas de sangre se han intercambiado por unas ridículas bermudas y camisetas y ambos asesinos se quedan a cierta distancia de cualquier punto de importancia en Los Ángeles. Pero han salido de la Situación Bonnie.

El restaurante Hawthorne Grill. Principio y final de la obra de Tarantino, el restaurante alberga a dos parejas singulares. La pareja de Pumkin y Honey Bunny, la pareja de jóvenes y creativos atracadores que se quieren con locura, se plantean qué hacer con sus vidas de robos y atracos, con lo mal que va el "negocio". Conversan brevemente...

Y Pumpkin llega a la conclusión de que atracar restaurantes es un buen negocio. Honey Bunny secunda esa opinión, entusiasmada, y acuerdan empezar a trabajar. Sacan las pistolas y... empieza la película.

Mientras, en una mesa no muy lejana, un par de tipos con bermudas y camisetas, que parecen completamente fuera de lugar, están hablando seriamente acerca de teología aplicada, filosofías vitales y lo sucio que es el cerdo, no necesariamente por ese orden. Uno de ellos se va al baño, mientras que otro se queda en su mesa; los jóvenes y alocados atracadores le cogen justo en esas circunstancias, desayunando tranquilamente. No voy a fastidiaros el clímax de la película. Sé que ya os hemos reventado toda el resto del argumento (como corresponde a este apartado, por supuesto), pero esta escena es un final interesante para ser de Tarantino. No diré más al respecto.

Y, una vez he dicho todo lo que quiero decir de la difícil trama de este peliculón, podéis preguntaros... ¿Pero qué significa esto? La estructura episódica, a pesar de estar desordenada encaja a la perfección, como si de un puzle se tratara, y va más allá de ser una típica película de matones en la que los malos siempre pierden y los buenos son los mejores; es lo que podríamos llamar un "modelo Tarantino". Todo el argumento en sí es una crítica y un homenaje al pueblo norteamericano, a sus costumbres, a su cultura... a su precioso "American Way of Life", con toda su libertad, su oportunidad y, ante el fracaso o siquiera la casualidad (que bien puede interpretarse como Dios, que diría Jules, en Pulp Fiction), la más fría de las crueldades. Los fast-food, los restaurantes temáticos, los matones, el sexo, las drogas... dando a la película resueltos e inesperados giros que te cogen completamente desprevenido (¡casualidad, divina casualidad!) y pocos son los momentos de auténtica tranquilidad. Dentro de este homenaje general, también podemos encontrar casos concretos de personajes de la cultura americana que van desde Douglas Sirk a Marilyn Monroe, que sirven en el restaurante temático al que Mia va a cenar con Vincent. Y tantos otros guiños y golpes que, juntos, dan un panorama simultáneamente desolador e hilarante, a un tiempo que humano en el sentido que Quentin Tarantino da a sus películas (el peor sentido de la palabra "humano").

OPINÓ: Borja Oliván.

PERSONAJES. Lo curioso de Tarantino es que convierte la casualidad en cine. No se trata sólo de que mueva los hilos de sus películas de forma aparentemente aleatoria, sino que sea capaz de dirigirlos luego de un modo coherente, al tiempo que parecen absurdos y descoyuntados. Cosas curiosas que se demuestran en los personajes (protagonistas o no) de Pulp Fiction. En esta película, los personajes tienen un comportamiento ligeramente carente de realismo; tal vez por ello resulten un tanto auténticos, pero los únicos personajes que aparentan lo que se vería en el mundo real son los de "usar y tirar", personajes como los sádicos de la tienda de empeños o los traidores que intentan estafar a Marsellus. En esencia, son tipos que se explican a sí mismos por lo asustados que están frente a los personajes fríos, desapasionados y convincentes que son los protagonistas o por lo terriblemente perversos que resultan; son humanos, pero humanos que viven al límite.

Los protagonistas auténticos de esta película, por otro lado, no son así; son resultado de una cuidadosa ingeniería combinada, resultado de lo que consiguen Quentin Tarantino y sus actores cuando trabajan juntos.

Vincent Vega es un ejemplo de esto. Muere en esta película. Sufre en esta película. Se cabrea, se coloca, se caga, se carga a la gente, y todo ello lo hace al tiempo de parecer un personaje que, sin llegar a ser humano, es realmente auténtico. Así son los personajes en el cine de Tarantino: son AUTÉNTICOS. Más que reales, más que coherentes, son personajes con una personalidad que supera la realidad del mundo, individuos con sentimientos incrementados o directamente inexistentes.

A veces antinaturales, como el frío Marsellus; a veces, en un autodescubrimiento, como el iniciado en los asesinatos Butch (Bruce Willis es un actor de primera en esta película, por cierto); y, por encima de todo, en una carencia absoluta de sentimientos, o, al menos, de expresión en ese sentido... salvo, y he aquí la parte interesante de la película en lo tocante a los actores, cuando lo hacen de un modo superficial y frívolo (cuando Mia Wallace y Vincent están absolutamente drogados, en el restaurante, o cuando Jules y Vincent hablan, relajados, en el bar, tras haber escapado de la "Situación con Bonnie"), o cuando están metidos hasta los codos en ese choque caótico que es la vida criminal, el guión en el que Tarantino les hace darse de bruces con errores garrafales, accidentes o casualidades (detalle interesante en este aspecto, la únicas escenas en las que Travolta y Willis se encuentran juntos en la misma escena, uno insulta al otro y el otro mata al primero, respectivamente; ¿hay algo más humano que la venganza posibilitada por la realidad... y la casualidad?).

Una breve relación de los personajes es de rigor; aunque advierto con tiempo al lector que no será posible, ni por un momento, alcanzar la auténtica profundidad de sus psiques.

Vincent Vega, interpretado por John Travolta, es un asesino frío, maleducado y drogadicto, pero de fiar (para ser un delincuente) y bastante orgulloso; incluso en la presencia del brillante Sr. Lobo, se muestra mordaz y bastante poco comedido, puesto que considera que "se le pone bajo mucha presión" (y obviando el hecho de que la situación es, directamente, responsabilidad suya). Es duro decirlo, pero hasta él tiene sus emociones, más allá de su afectación y su orgullo (y sus drogas), que suele mantener lejos de él.

Jules Winnfield es un tipo aún más malhablado que Vega, pero también es sensible a las sorpresas, y su sarcasmo y personalidad son una misma cosa cuando se trata de trabajo. Es un hombre que muchos llamarían frío, a pesar de sus arranques de rabia, pues siempre mantiene la cabeza en su sitio, mientras que otros le definirían como sensato (para ser una pistola de alquiler) y otros le llamarían, sencillamente, duro. La costumbre de recitar un pasaje de la Biblia (bastante modificado, por cierto) cada vez que mata a alguien podría ser, a medias, una reminiscencia religiosa y un hábito defensivo, para negarse el hecho de que mata gente, pero no es probable, ya que es capaz de ver morir a alguien por accidente y bromear sobre el asunto sin ningún problema. De todos modos, este singular individuo sin culpabilidad es rígido en su decisión de abandonar el "negocio" cuando se produce el soprendente evento en casa de Marvin. Un excelente Samuel L. Jackson juega el papel de Jules, el "¿santón?", que merece una entrada por sí mismo.

Butch Kullich, más conocido en el mundo real como Bruce Willis, es un puño cerrado, un tipo duro donde los haya, un soldado duro, hijo de soldados duros, nieto de soldados duros; es un hombre con una especie de honor retorcido, pero generoso y muy emotivo con Fabienne, la chica francoamericana (no muy inteligente) con la que comparte su vida. Este boxeador casi acabado se enfrenta a la difícil decisión de abandonar su carrera, en contra de su orgullo, para retirarse con un pellizco notable a cambio de su "orgullo"... que no le basta. Paradójicamente, es de los pocos no delincuentes en la película... y es el que termina matando a más gente a lo largo de ella.

Mia Wallace es una mujer etérea, tan drogadicta o más que Vincent, pero mucho más infantil y mimada... y, a la vez, da la impresión de haber viajado, de haber visto mundo, siempre protegida y a la vez siempre expuesta de forma voluntaria. No obstante, Uma Thurman (morena, por cierto) es capaz de darle una complejidad interesante a la señora Wallace, que pasa del cielo del flipe cocainómano al infierno de la sobredosis y, de ahí, al no mejor purgatorio de la supervivencia. Por suerte para ella y para el matón de Marsellus, su pacto de silencio les permite eliminar ese pasaje concreto de sus vidas. Maravillosa Thurman, en todo caso, que no necesita formas arrebatadoras para ser seductora, incluso femme fatale, y perfectamente casual a la vez, casual y simpática (mientras habla de gente a la que su marido ha tirado por el balcón de su casa).

Marsellus Wallace: orgulloso, duro de pelar... un "machote" que se siente (literalmente) violado cuando tiene que sufrir las vejaciones a las que le someten los sádicos de la tienda de música, y que se convierte en una gélida bestia asesina cuando a Butch se le ocurre liberarle. Y, de hecho, aunque se comporta de un modo "razonable" con Butch, sigue siendo también un hombre temeroso de su reputación (mala reputación)... y, como todos los demás, es una víctima del más sádico de todos los personajes, de Quentin Tarantino, director y torturador, a través de la coincidencia, el desastre y la cagada local y general, de todos los personajes.

OPINÓ: Javier López.

... PERO TE ASEGURO QUE INTENTO SER EL PASTOR, RINGO. Esto es todo por ahora, pero esperamos que volváis por aquí para dejar vuestras sugerencias. Sabemos que esto no es (en absoluto) una crítica de la misma calidad que la de un profesional. La nuestra es mejor. Y no sólo porque no tenga comentarios para el sonido, la fotografía o el atrezzo, sino porque Tarantino, no lo necesita.

Tarantino no es una marca de moda. No sé cómo lo veréis, pero no necesita presentación.

FIRMADO: Los implicados.